Zentriert Gleitend Durchschnittlich Für Ungerade

Stata: Datenanalyse und statistische Software Nicholas J. Cox, Durham University, Großbritannien Christopher Baum, Boston College egen, ma () und seine Einschränkungen Statarsquos am offensichtlichsten Befehl zur Berechnung von gleitenden Durchschnitten ist die ma () - Funktion von egen. Angesichts eines Ausdrucks, schafft es einen - periodischen gleitenden Durchschnitt dieses Ausdrucks. Standardmäßig wird als 3. ungerade genommen. Jedoch kann, wie der manuelle Eintrag anzeigt, egen, ma () nicht mit varlist kombiniert werden:. Und aus diesem Grund allein gilt es nicht für Paneldaten. In jedem Fall steht es außerhalb des Satzes von Befehlen, die speziell für Zeitreihen geschrieben sind, siehe Zeitreihen für Details. Alternative Ansätze Um berechnende Durchschnitte für Panel-Daten zu berechnen, gibt es mindestens zwei Möglichkeiten. Beide hängen davon ab, dass der Datensatz vorher gesendet wurde. Das lohnt sich nicht nur: Sie können sich nicht nur wiederholt spezifizieren, um die Variable und die Zeitvariable zu bestimmen, aber Stata verhält sich scharf zwischen den Lücken. 1. Schreiben Sie Ihre eigene Definition mit generieren Verwenden Sie Zeitreihenoperatoren wie L. und F.. Geben Sie die Definition des gleitenden Durchschnitts als Argument einer generierten Anweisung an. Wenn Sie dies tun, sind Sie natürlich nicht auf die gleichgewichteten (ungewichteten) zentrierten gleitenden Durchschnitte, die von egen, ma () berechnet wurden, beschränkt. Zum Beispiel werden gleichgewichtete dreiseitige gleitende Durchschnitte gegeben und manche Gewichte können leicht angegeben werden: Sie können natürlich auch einen Ausdruck wie log (myvar) anstelle eines Variablennamens wie myvar angeben. Ein großer Vorteil dieses Ansatzes ist, dass Stata automatisch die richtige Sache für Panel-Daten macht: führende und nacheilende Werte werden in Panels ausgearbeitet, genauso wie Logik diktiert sie sein sollte. Der bemerkenswerteste Nachteil ist, dass die Kommandozeile ziemlich lang werden kann, wenn der gleitende Durchschnitt mehrere Begriffe beinhaltet. Ein weiteres Beispiel ist ein einseitiger gleitender Durchschnitt, der nur auf vorherigen Werten basiert. Dies könnte nützlich sein, um eine adaptive Erwartung zu schaffen, was eine Variable nur auf Informationen aktuell basiert: Was könnte jemand prognostizieren für die aktuelle Periode auf der Grundlage der letzten vier Werte, mit einem festen Gewichtung Schema (eine 4-Periode Verzögerung könnte sein Besonders häufig mit vierteljährlichen Zeiträumen verwendet.) 2. Verwenden Sie egen, filter () aus SSC Verwenden Sie den benutzerdefinierten egen-Funktionsfilter () aus dem egenmore-Paket auf SSC. In Stata 7 (aktualisiert nach dem 14. November 2001) können Sie dieses Paket installieren, nach welcher Hilfe egenmore auf Details zu filter () verweist. Die beiden obigen Beispiele würden gerendert (in diesem Vergleich ist der Generatoransatz vielleicht transparenter, aber wir sehen ein Beispiel für das Gegenteil in einem Moment.) Die Lags sind eine Numlist. Führt zu negativen Verzögerungen: In diesem Fall -11 dehnt sich auf -1 0 1 oder Blei 1, lag 0, lag 1. Die Coef ficients, eine andere numlist, multiplizieren die entsprechenden hinteren oder führenden Elemente: In diesem Fall sind diese Elemente F1.myvar . Myvar und L1.myvar Die Wirkung der Normalisierungsoption besteht darin, jeden Koeffizienten durch die Summe der Koeffizienten so zu skalieren, daß Coef (1 1 1) normalisiert ist, äquivalent zu Koeffizienten von 13 13 13 und Coef (1 2 1) Normalisierung äquivalent zu Koeffizienten von 14 12 14 ist Sie müssen nicht nur die Verzögerungen angeben, sondern auch die Koeffizienten. Weil egen, ma () den gleich gewichteten Fall liefert, ist die Hauptgrundlage für egen, filter (), den ungleich gewichteten Fall zu unterstützen, für den Sie Koeffizienten angeben müssen. Es könnte auch gesagt werden, dass die Verpflichtung der Benutzer, Koeffizienten anzugeben, ein wenig zusätzlicher Druck auf sie ist, darüber nachzudenken, welche Koeffizienten sie wollen. Die Hauptberechtigung für gleiche Gewichte ist, wir vermuten, Einfachheit, aber gleiche Gewichte haben lausige Frequenzdomäneneigenschaften, um nur eine Betrachtung zu erwähnen. Das dritte Beispiel oben könnte entweder so genauso kompliziert sein wie der generierte Ansatz. Es gibt Fälle, in denen egen, filter () gibt eine einfachere Formulierung als zu generieren. Wenn Sie einen neunfristigen Binomialfilter wünschen, welche Klimatologen nützlich sind, dann sieht es vielleicht weniger schrecklich aus als und einfacher, sich richtig zu machen, genauso wie bei der generierten Annäherung egen, filter () funktioniert ordnungsgemäß mit Panel-Daten. In der Tat, wie oben erwähnt, hängt es davon ab, dass der Datensatz vorher gesendet wurde. Eine grafische Spitze Nach der Berechnung Ihrer gleitenden Durchschnitte, werden Sie wahrscheinlich wollen, um einen Graphen zu betrachten. Der benutzerdefinierte Befehl tsgraph ist schlau über Tattendatensätze. Installiere es in einem up-to-date Stata 7 von ssc inst tsgraph. Was ist mit der Abrechnung, wenn keines der obigen Beispiele von Einschränkungen Gebrauch macht. Tatsächlich wird es nicht möglich sein, Gelegentlich Menschen wollen, wenn bei der Berechnung der gleitenden Durchschnitte zu verwenden, aber seine Verwendung ist ein wenig komplizierter als es in der Regel ist. Was würden Sie von einem gleitenden Durchschnitt erwarten, mit dem berechnet. Lassen Sie uns zwei Möglichkeiten identifizieren: Schwache Interpretation: Ich möchte keine Ergebnisse für die ausgeschlossenen Beobachtungen sehen. Starke Interpretation: Ich möchte gar nicht, dass du die Werte für die ausgeschlossenen Beobachtungen nimmst. Hier ist ein konkretes Beispiel. Angenommen, als Folge von einigen, wenn Bedingung, sind Beobachtungen 1-42 enthalten, aber nicht Beobachtungen 43 auf. Aber der gleitende Durchschnitt für 42 hängt unter anderem von dem Wert für die Beobachtung ab, wenn der Durchschnitt sich rückwärts und vorwärts erstreckt und mindestens 3 beträgt, und es wird in einigen Fällen auch von einigen der Beobachtungen abhängen. Unsere Vermutung ist, dass die meisten Leute für die schwache Interpretation gehen würden, aber ob das richtig ist, egen, filter () nicht, wenn entweder. Sie können immer ignorieren, was Sie donrsquot wollen oder sogar unerwünschte Werte festlegen, um danach zu fehlen, indem Sie ersetzen. Ein Hinweis auf fehlende Ergebnisse an den Enden der Serie Weil gleitende Mittelwerte Funktionen von Verzögerungen und Leads sind, erzeugt egen, ma () fehlt, wo die Verzögerungen und Leads nicht existieren, am Anfang und am Ende der Serie. Eine Option nomiss zwingt die Berechnung von kürzeren, nicht beeinträchtigten gleitenden Durchschnitten für die Schwänze. Im Gegensatz dazu weder generieren noch egen, filter () tut, oder erlaubt, etwas Besonderes, um fehlende Ergebnisse zu vermeiden. Wenn einer der für die Berechnung benötigten Werte fehlt, fehlt dieses Ergebnis. Es liegt an den Anwendern, zu entscheiden, ob und welche Korrekturchirurgie für solche Beobachtungen erforderlich ist, vermutlich nach dem Betrachten des Datensatzes und unter Berücksichtigung einer zugrunde liegenden Wissenschaft, die zum Tragen gebracht werden kann. Haeundae, 160 Durst, 160 Mutter, 160 Atemlos 160160160 Das Jahr 2009 eröffnet unter schwierigen Umständen, um es gelinde auszudrücken. Mit einer globalen Finanzkrise, die eine zweijährige Krise in der koreanischen Filmindustrie verschärfte, waren die Erwartungen für das Jahr gering. Besonders hart war die Situation für mittelgroße, genrebasierte kommerzielle Filme, die in den vergangenen Jahren oft öfter Geld verloren hatten, als sie es verdient hatten. In besserer Form waren Koreas international anerkannte Regisseure, sowohl mit Park Chan-Wook (Durst) als auch mit Bong Joon-ho (Mutter), die hochauflösende Frühlingsfreisetzungen aufstellten. Hong Sang-Soo wandte sich auch in einen neuen Film wie Sie es wissen. Schuss für einen kleinen Bruchteil seines üblichen Budgets. Alle drei Filme werden zu verschiedenen Abschnitten von Cannes eingeladen. Überraschenderweise zeigten auch Low-Budget-Independent-Filme mitten in der Krise ein beträchtliches Leben. Tagsüber trinkend und atemlos Zwei Debütfilme, die auf winzigen Budgets geschossen wurden, erhielten ein kritisches Lob und ein ermutigendes Maß an kommerziellem Erfolg. Am meisten erstaunlich war jedoch der zerschlagene Erfolg des Low-Budget-Dokumentarfilms Old Partner. Über einen älteren Bauer und seine Kuh, die ab 1. Mai war der beste Verdienst Film des Jahres mit fast 3 Millionen Tickets verkauft. 160160 (geschrieben am 5. Mai) Die meistverkauften Filme von 2009160 Enthält Tickets im Jahr 2010 verkauft. 160Source: Korean Film Council. Seoul-Bevölkerung: 10,2 Millionen Staatsangehörige Bevölkerung: 49,8 Millionen Marktanteil: 160160 Koreanisch 48,8, Importe 51,2 (bundesweit) Filme erschienen: 160160 Korean 118, Imported 243 Zulassungsinhalt: 160160 157.0 Mio. Anzahl der Bildschirme: 160160 2055 Wechselkurs (2009): 160160 1279 wonUS dollar Durchschnittlicher Ticketpreis: 160160 6970 gewonnen Exporte in andere Länder: 160160 US14,122,143 (Japan: 42) Durchschnittliches Budget: 160160 2,3 Mrd. gewonnen mit 0,8 Mrd. Pampa vergeben Komplette Liste von 2009 Releases mit Box-Office Daten 160160160160 Daytime Drinking Hyuk - jin (Song Sam-dong), ein neuer Rückkehrer aus dem Militärdienst, ist ein schüchterner und weich gesprochener Zwanzig-etwas Kerl. Während eines betrunkenen Mash-ups mit seinen Kumpels lädt sein bester Freund Ki-sang (Yook Sang-yup: sind diese Schauspieler-Namen für echt) ihn zu seinem Verwandten Gästehaus (genannt Pension in Korea) in der abgelegenen Ferienort von Jeongseon, Provinz Kangwon. Am nächsten Tag kommt Hyuk-jin bei Jeongseon an, nur um sich ohne seine Freunde zu sehen. Er verbringt zögernd die Nacht in der Stadt, in einem falschen Gasthaus, wie sich herausstellt. Um die Verletzung zu beleidigen, führt sein unangenehmer Versuch, den Nachbarn (Kim Kang-hee) abzuholen, zu einem ego-schädigenden Pinsel von ihrem träglichen Begleiter (Tak Seong-joon). Aber Hyuk-jins Schwierigkeiten sind noch lange nicht vorbei, denn die komischen Einheimischen, die er begegnet, darunter eine Motormädchenfrau mit bösem Temperament (Lee Ran-hee) und ein gutmütiger Lkw-Fahrer (Sin Woon-Seop), beginnen, Bedrohung zu machen Nicht nur zu seiner finanziellen Sicherheit und geistigen Stabilität, sondern vielleicht zu seiner Keuschheit (). Gefilmt extrem billig (mit dem Gesamtbudget angeblich unter 10 Millionen gewonnen) über ein paar Jahre von Regisseur Noh Young-Seok mit Null Film-Schule Hintergrund, Daytime Drinking gewann einen Publikum Award auf der 2009 Jeonju Film Festival und landete eine robuste Distribution Deal , Obwohl seine Kassenleistung nicht bis zu dem umwerfenden Erfolg von Old Partner messen konnte. Eine weitere extreme Low-Budget-Indie-Funktion. Daytime Drinking ist definitiv nicht ein gutes Schaufenster der Filmemachen Fähigkeiten auf Seiten des Regisseurs Noh: in einigen Aspekten seine geradezu amateurhaft. Zum Beispiel scheint die Kamera Schwierigkeiten zu haben, einen richtigen Fokus in einigen entfernten Aufnahmen zu halten, was zu verschwommenen Kanten führt, als ob wir sie durch ein undurchsichtiges Fenster sehen. Was ist komisch, dass diese Szenen, die gewöhnlich Hyun-sik in der Mitte von Nirgendwo gestrandet sind, ihn im Kontext dieses rauhen und stürmischen, aber seltsam bezaubernden Spiels in der Mitte einer Fischschale versinken lassen und amüsant veranschaulichen Charaktere Erbitterung und, sagen wir, dork-ish Qualitäten. Der Film ist voll von diesen sogar-seine-goofs-sind-vergnügte Momente. Äußerlich tagsüber trinkend konnte man sich für eine Low-Oktan-Parodie eines Hong Sang-Soo-Films (die Hauptfiguren Swig Hard Likör wie Wale in beiden Fällen verwechselt werden: gut, dieser wird als Daytime Drinking bezeichnet, und nein, wir reden nicht Über den Nachmittagstee hier), aber seine weit lose strukturierte und deutlich montiert, und seine letztlich gutmütige, deadpan Humor ist ziemlich einzigartig, zumindest unter koreanischen Filmen. Song Sam-dong als Hyuk-jin, obwohl er kaum im technischen Sinne handelt, dient als perfekte Folie für die langweilig surrealen Charaktere, in die er hineinführt. Sogar wenn die Schwierigkeiten aufhäufen, bleibt das Doofus-Kind immer noch eineinhalb Schritte hinter der richtigen Antwort und macht seinen Ausdruck von langsamen Verbrennungen, wenn es richtig gemacht wird, beide drollig und sympathisch. Der Film verliert in den letzten dreißig Minuten nur noch, wenn Hyuk-jin sich schließlich mit Ki-sang trifft und die richtige Pension besucht. Dieser Abschnitt kennzeichnet eine peinlich innere Alptraumsequenz, die vermutlich nicht mit den mageren Ressourcen, die der Mannschaft zur Verfügung stehen, und die Erklärung von Ki-sangs echte Motivation, die auf einem enttäuschend faulen Geschichtenerzählungsgerät schwingt, nicht richtig gemacht werden konnte. Ich wünschte, der Film hätte eine dynamischere, emotional kathartische Auflösung, die Hyuk-jin zeigt, die aktiv einige Initiativen gegen seine Peiniger einnimmt. (Ich glaube, er macht ein bisschen davon, off-screen) Daytime Drinking kann nicht ein erdschüttelndes Meisterwerk sein, aber Noh Young-seoks keine Budgetkomödie hat sein Herz an der richtigen Stelle und verdient reichlich das Lob, das es hat Von den Zuschauern gesammelt Ein Hinweis: Sei vorsichtig, nicht von den Filmen end-credit Musik überfallen zu werden, die auch von Regisseur Noh a la John Carpenter komponiert wurde. Es ist eine Art Technoppongjjak. Wie Ballsaal Muzak gespielt für internationale Konferenz der Orgel Grinders Monkey Association: Ich warne Sie, Sie werden nicht in der Lage sein, es aus Ihrem Gehirn zu bekommen, sobald Sie es gehört.160160160160160 (Kyu Hyun 160Kim) Cheon-soo (Kim Kang-woo, Rainbow Eyes) ist ein talentierter Schwimmer, einmal ein Konkurrent in internationalen Spielen. Eine schlechte Spielgewohnheit ruiniert ihn jedoch finanziell. Er wird willy-nilly in einen Dope-Kurier-Job für den Gangster-Präsidenten Kang (Jo Jae-hyun, Hanbando, Romance) rekrutiert. Die Aufgabe scheint das Schwimmen an der Korea-Japan-Grenze mit einer Reihe von Beuteln, die mit dope in Ihrem Darm gefüllt sind (wie ich vermutet hatte, dass es der Film milch dieses Set-up für ca-ca Witze, so sensible Zuschauer hüten). Kang ist von seiner ehemaligen Kollegen-Tochter besessen, ein Obst-Törtchen namens Yuri (Park Si-yeon, Dazimawa Lee), und natürlich sie und Cheon-soo verlieben sich in einander, nachdem sie mehrere Kosmetik-kommerzielle Momente von cocky stares und pouty teilgenommen haben Beleidigungen Nur um die Dinge komplizierter als nötig zu machen, wird Cheon-soo von einem korrupten Polizisten namens Dog Snout (Lee Won-Jong, The Foul King, Hi Dharma) angeführt, der mit Präsident Kang eine Vergangenheit hat. Marine Boy ist ein typischer kommerzieller Action-Film, der sich in diesem Jahr mit einem Gefühl der Fuß-Schlepp-Vergeblichkeit der koreanischen Industrie herausstellt. Es dauert eine Prämisse und eine Handlung, die vage an einen 70er oder 80er-Hollywood-Action-Thriller erinnert (diesmal ist der Peter Benchleys The Deep selbst mehr als ein wenig schlockig und unlogisch) und versucht sie mit glatten Visuals zu aktualisieren, die aus TV-Werbespots importiert werden Koreanisierung der Charaktere durch die Belastung mit arch-melodramatischen Gesten, Dialogen und Motivationen. Jo Jae-hyun und Lee Won-Jong, beide schreckliche Schauspieler, versuchen gern, einige Verve und Finesse zu ihren Rollen zu bringen, die scheinbar mehr von ihrer Kyongsang Provinz Akzente als alles andere definiert werden. Direktor Yun Jong-seok. Wie viele koreanische Debüt-Direktoren, ist kompetent, wenn nicht inspiriert, und weiß, wie zu kürzen Kamerawinkel und Bearbeitung, um das Tempo zu halten. Leider, die lächerlich gewundenen Handlung und Motivationen schnell ziehen das Verfahren. Park Si-yeon, föhnlich charmant in Dazimawa Lee. Hier muss man sich mit einer Rolle auseinandersetzen, die nicht entscheiden kann, ob Yuri nur ein verwöhnter Gör mit einem Drogenproblem oder einer manipulativen Femme fatale ist. Und nicht sollte sie ein ernsthafter Süchtiger sein oder vielleicht war das auch ein Put-on, denn wir sehen sie niemals einmal ohne zu sehen, wie sie gerade aus einem Vogue-Foto verbreitet hat. Ich nehme an, seit sie und Cheon-soo Pina Colada in Palua am Ende schlucken, sollten wir diese niggardly Fragen nicht stellen. Wie für Kim Kang-woo, mag ich seine Wildkatze hauteur noch mit einem Schuss von Verwundbarkeit, aber er sollte wirklich seinen Agenten feuern oder einfach nur wegbleiben von dem, was es ist, das ihn bei der Auswahl von Skripten berät. Ich glaube, ich wäre karitativ zu Marine Boy gewesen, wenn es, wie The Deep. Wir hatten wenigstens einen guten Sinn, uns mit schönen Unterwasseraufnahmen zu regale. Aber nein, der Film verschwendet die meisten seiner Laufzeit unter langweiligen Charakteren, die nicht überzeugende Einzeiler und harte Kerlgespräche, die in chi-chi-Wohnraum-Wohnzimmern sitzen, sitzen oder in fancy Autos in Handys bellen sitzen. Wo ist marine in Marine Boy. Ehrlich gesagt, wer gibt eine Sardine Fin, wenn Präsident Kang ist in Yuri verliebt Ist das der Punkt dieses angeblichen Action-Film Marine Boy war an einem Punkt der am häufigsten heruntergeladenen koreanischen Film in diesem Jahr: ein ozeanischer Action-Film fit auf ein 17 zu sehen - inch PC-Bildschirm Ich irgendwie bezweifeln, dass das, was diese Filme Crew und Cast hatte im Sinn, während es zu machen. 160160160160160 (Kyu Hyun160 Kim) 160160160160 Die nackte Küche Der Tag von Ahn Mo-rae und Han Sang-ins Hochzeitstag ist ziemlich ereignisreich. Erstens, Mo-rae (Shin Min-a, Go Go 70) kocht Frühstück, serviert es auf ihrem besten Porzellan, in der Hoffnung, Sang-in (Kim Tae-woo, Frau am Strand) in die Stimmung für die Liebe zu bekommen, bevor er geht arbeiten. (Es funktioniert.) Zweitens, Sang-in beendet seine High-End-Börsenmakler Job, so dass er sich seinem lebenslangen Traum von einem fancy Restaurant widmen kann. Drittens, beim Einkaufen für ein Jubiläumsgeschenk für Sang-in, schleicht sich Mo-rae in eine geschlossene Galerie, wo sie einem anderen illegalen Besucher begegnet - ein sehr hübscher junger Mann, mit dem sie sich versteckt, wenn der Galerist auftaucht. Mo-rae, überwältigt von Hitze und Schwindel, hat eine plötzliche sexuelle Begegnung mit dem Fremden, der dann verschwindet. Vierte, Sang-in erzählt Mo-rae über das Abendessen, dass er einen Mentor erwartet, um ihm zu helfen, die Speisekarte für sein Traumrestaurant zu planen: ein brillanter junger französisch-koreanischer Koch, der an diesem Abend ankommen wird. Fünftens hast du es erraten: Park Du-re (Ju Ji-Hoon, Antique, Princess Hours), der französisch-koreanische Mentor, entpuppt sich als Mo-raes zipless Fremder, der jetzt mit dem jungen Paar bleiben wird Der Raum, der zu Sang-ins verspätete Mutter gehörte. Von dort geht es um die Geschichte, wie man es erwarten würde. Mo-rae ist kraftvoll in die verführerische Du-re gezogen, während Sang-in Kochunterricht von ihm erhält. Irgendwann kommt alles zusammen, aber die Küche ist eine Komödie, so dass es sich endlich gut ausstellt. (Der offizielle englische Titel dieses Films ist die Naked Kitchen, aber es ist eine billige Tease, denn niemand wird nackt, sogar metaphorisch, das ist ein sehr geknöpfter Film. Der koreanische Titel ist nichts als das englische Wort Küche Ich kenne es hier.) Die Küche hat gar nicht gut geklappt, was überraschend ist, da sie drei Bankkarten enthält. Es war nicht einmal bemerkt als kommende Ausgabe hier bei Koreanfilm. org. Ich hätte es nicht gewusst, wenn es nicht in einer Buch-Länge-Umfrage der koreanischen Filme für 2008, die eine Vorstellung von seiner visuellen Anziehungskraft und emotionale Dynamik gab, so dass ich nahm die DVD. Erstmaliger Regisseur Hong Ji-Young machte einen sehr hübschen Film, ihre Besetzung wurde in gute Aufführungen gedreht. Also, was ist falsch Wenn nicht für die Tatsache, dass nicht viele andere Leute es auch mochten, Id guess mein Mangel an Begeisterung für Küche war nur meine persönliche Hangup. Zuerst vermute ich, dass jemand liebte Jean-Pierre Jeunets 2001 Hit Amelie. Ein Film, den ich für die Art, wie es in seiner eigenen Niedlichkeit gehofft hasste - also, wenn Sie Amelie mochten. Vielleicht solltest du die Küche probieren. Shin Min-a scheint, Audrey Toutou zu kanalisieren, und wurde zusammengesetzt und coiffed, um ihre frechen Ansteckung zu erinnern. Die Soundtrack-Slather auf einem Pariser Stil Walzer, Sang-Ins Restaurant wird eine koreanisch-Französisch Fusion Küche, und natürlich Du-Re ist ein Französisch-Koreaner Adoption. Das Essen ist ein wichtiger Charakter im Film, mit vielen Nahaufnahmen von lecker aussehenden Tafelaufstrichen. Unter all dem frankophilen Sirup gibt es interessante Charaktere. Mo-rae und Sang-in sind seit der Kindheit Freunde. Er hat nichts dagegen, dass sie ihm gefolgt ist, ruft ihn Hyung oder Big Brother an (obwohl koreanische Mädchen sollen ihre älteren Brüder oppa nennen), und ihre eheliche Beziehung ist eine seltsame, aber ansprechende Mischung aus heißem Sex und besten Kumpels. Das Skript erforscht das intelligent, als wenn Mo-rae Du-re erzählt, für mich bedeutet Liebe nicht viel. Sein Han Sang-in. Nicht weil ich jemanden liebe, oder lieber mehr jemand anderes. Ich versuche nur, mich zu sein. Die Küche flirtet, immer so zart, mit männlicher Homoerotik. Es war ein Hinweis darauf, dass Sang-in und Du-re eine Affäre hatten, als sie sich in Frankreich trafen, als Sang-in Du-re sein Zimmer, Du-re bittet ihn, die Nacht mit ihm zu verbringen. Sang-in bittet um ungeschickt: Nun. Ich habe eine Frau. Aber die Küche erkundet diese Möglichkeiten nicht, sie bezieht sich auf sie glänzend und versucht, sich schärfer aussehen zu lassen, als es wirklich ist. Es zieht sich immer wieder auf die hübsche Oberfläche zurück. Darin leidet es im Vergleich mit dem weit überlegenen Wanee und Junah (Kim Yong-gyoon, 2001), der einige seiner Themen teilt: eine Beziehung mehr von Freundschaft als von Leidenschaft, Flirt mit Bisexualität und Gender Games. Die Küche frustriert mich nur, obwohl es so weit fällt, was es hätte sein können. Der Film scheint zwischen den Chancen zerrissen und es sicher zu spielen, und es ist sicher nicht künstlerisch oder an der Abendkasse zu helfen. 160160160160160 (Duncan Mitchel) Eine Warnung: Wenn Sie nach einem Wohlfühl-Escapist Entertainment suchen, vermeiden Sie Handphone. Diese Art von Film muss mehrere Bedingungen erfüllen. In erster Linie sollten wir in der Lage sein, für seinen Protagonisten zu fühlen. Umgekehrt sollte die Stücke Bösewicht keine Sympathie Die Gewalt, die der gute Kerl gegen den Schurken einsetzt, muss sauber geschnitten werden, nicht unordentlich wie einer, den wir im wirklichen Leben sehen. Und so weiter. Handphone ignoriert diese Bedingungen. Tatsächlich verletzt es sie fröhlich Seung-min der Unterhaltungs-Agent, die Filme behaupteten Helden, ist nicht jemand, den wir freiwillig irgendeine Sympathie fühlen würden. Er ist flach, niedrige Miete und fehlt im Gewissen. Yi-Gyu, der zufällig Seung-Mins-Handy aufnimmt und beschließt, ihn zu erpressen, ist auf der anderen Seite jemand leichter für uns zu verwurzeln. Yi-Gyu zerbricht langsam unter dem Druck des Arbeitslebens, im Gegensatz zu Seung-min, dessen flacher Charakter seine Fähigkeit, durch die tückischen Gewässer seines Berufs zu navigieren, tatsächlich zu verbessern scheint. Der Film ist sich dieser Kontrast bewusst und setzt Yi-Gyu durch einen Wringer, um seinen Punkt zu beweisen. Natürlich, die Gewalt schließlich zwischen diesen beiden gestörten Charaktere entfacht, hilft den Zuschauern überhaupt nicht, den latters Stress zu reduzieren. Nun, was kann ich sagen, Handphone ist masochistisch, zynisch und letztlich misanthropisch. Wenige Charaktere in diesem Film sind geistig stabil oder moralisch aufrecht. Die meisten von ihnen sind ernsthaft in der einen oder anderen Weise fehlerhaft: ein paar sind auf einer metaphysischen Skala nervig. Natürlich, da Handphone's hasserfüllte Darstellung der Menschheit auf der relationalen Dynamik der koreanischen Gesellschaft sowie der Stereotypen ihrer Mitglieder beruht, könnten wir akzeptieren, dass der Umfang ihrer Misanthropie auf diejenigen beschränkt ist, die wir um uns herum sehen. Was auch immer der Regisseur ursprünglich mit all dem beabsichtigt hat, ist eher neben dem Punkt. Wie stößt Handphone als Thriller auf. Seine Struktur ist ziemlich locker. Das Handy in Frage kann nur so viel wie ein Mehrzweck-McGuffin. Die Filmemacher entdecken schließlich auf unwahrscheinliche Zufälle und ein bisschen Betrug. Wie in seinem früheren Film Paradise Murders. Regisseur Kim Han-min weiß nicht ganz, wann der Film beendet werden soll. Ein doppelseitiger Epilog ist ehrlich überflüssig, obwohl wir zugeben konnten, dass diese Lockerheit dazu beiträgt, die Qual des Höhepunkts zu erweitern. Die Filme, die größten Vermögenswerte, nicht überraschend, sind ihre zwei Sterne: Uhm Tae-woong und Park Yong-woo. Sie sind sehr gut für die jeweiligen Rollen eines sleazy Agenten und ein emotionaler Arbeiter verrottet von innen, produziert eine starke synergistische Wirkung geworfen. Wenn ich gezwungen wäre, die beiden zu vergleichen, muss ich sagen, dass Park von einem dreidimensionaleren Charakter, den er spielt, etwas zugute kommen wird. Lassen Sie mich beenden, indem Sie beobachten, dass Handphone einen hervorragenden öffentlichen Dienst durchführt, indem er diejenigen von uns in der zeitgenössischen koreanischen Gesellschaft mit drei nützlichen und wichtigen Lektionen anbietet: 1) Lässt ein wachsames Auge auf jedes digitale Gerät halten, das private Informationen enthält: 2) Lets bezahlen Aufmerksamkeit auf die psychische Gesundheit der emotionalen Arbeiter, damit sie nicht schnappen: 3) Und vor allem, lasst uns nicht aggressiv unhöflich sein, um Fremde zu befreien. Die Auszahlung kann wirklich hässlich sein. 160160160160160 (Djuna, übersetzt von Kyu Hyun160 Kim) Id hörte einige positive Dinge über Private Eye, bevor er den Film im Theater fing. Eine Detektivgeschichte im frühen 20. Jahrhundert unter der japanischen Kolonialherrschaft Mit Hwang Jeong-min, Ryu Deok-hwan, Uhm Ji-gewonnen, Oh Dal-soo in der Besetzung Und das Drehbuch nahm eine Art von Auszeichnung Nun, die letzte Bit war nicht so faszinierend. Es ist nicht ungewöhnlich für ein gefeiertes Drehbuch zu enttäuschen. Dennoch waren die ersten beiden Informationen, um meine Erwartungen zu bekommen. Die Details der Geschichte gehen so. Hong Jin-ho, der Charakter, der von Hwang Jeong-min in diesem Film gespielt wird, ist ein Profi an Sachen wie das Verfolgen von vermissten Menschen und die Aufdeckung illegaler Liebesbeziehungen. Er nennt sich kein privates Auge, aber das ist eigentlich das, was er ist. Er versucht gewöhnlich, enge Situationen zu vermeiden, ist aber eines Tages in einen ziemlich klebrigen Mordfall geschoben worden, als Jang Gwang-soo, ein Med-Schüler, der verlassene Körper für die Sektion sammelt, fragt Hong, um den Mörder seiner letzten Leiche zu finden. Warte ab. Ich meine, wäre es nicht offensichtlich, dass ein Med School Student, dass, wenn Sie einen Körper mit einem Messer Wunde in ihm finden, war es wahrscheinlich ein Opfer des Mordes Der Film beginnt, seinen Fuß zu verlieren, so früh auf. Die Geschichte wäre nicht sinnvoll, auch aus der Sicht der seouliten des frühen 20. Jahrhunderts. Jeder moderate Leser unter ihnen wäre mit den ABCs der Kriminalromane vertraut gewesen. Dies hätte übrigens einen kadaver-hungrigen Medizinstudenten beinhalten. Es könnte sein, dass Jang einfach dachte, dass seine Handlungen gut waren, wenn der Körper zu einem unbedeutenden Kerl gehörte, aber weniger, wenn es sich herausstellte, der Sohn eines hochrangigen Beamten zu sein, der für ihn eine tödliche Gefahr ausspricht - aber dann Das Publikum würde ihn nicht so sehr mögen können. Wenn es alle eine Entschuldigung, um ein privates Auge und ein Doktor-to-Be als Mord-Untersuchung Team zusammenzubringen, gut, ich kann nicht sagen, dass ich nicht verstehe. Die Leute, die diesen Film gemacht haben, zielten in der Tat auf eine Holmes und Watson Partnerschaft, Kolonial Seoul-Stil. Die Namen passen etwas, mit ein wenig Strecke: Holmes - Hong Jin-ho, John Watson - Jang Gwang-soo, sehen Aber theres ein tödlicher Fehler hier. Wie Sie Baker Street Regulars bereits wissen, sind Holmes und Watson sehr charakteristische Charaktere. Nur ein paar Seiten in die Geschichte und du weißt, welche Art von Menschen sie sind. Im privaten Auge Es ist viel schwieriger, die beiden Hauptfiguren herauszufinden. Besonders Hong Jin-ho. Was ist er sowieso Ein Mann von den kleinen grauen Zellen wie Hercule Poirot Nein, das ist auch zu dumm. Oder ein eklektischer Superheld wie sein Namensvetter Holmes hat er nicht die Hälfte der Fähigkeiten. Vielleicht ein harter Kerl wie Sam Spade Nicht so. Hong kann nicht in einem Faustkampf halten, noch hat er den Mut, das Leben U-Bahn zu behandeln. Dann, warum in der Welt ist dieser Mann der Held Hongs plight entspringt aus der Tatsache, dass der Film verweigert ihm eine Chance, seine einzigartigen Features oder Fähigkeiten zu enthüllen. Mit anderen Worten, das Drehbuch war nicht sehr gut durchdacht. Der Film hat nicht viel Geheimnis darin. Es gibt keine Vorahnung, die mehr als zehn Minuten dauert, und die meisten Hinweise werden in der nächsten Sequenz erklärt. Darüber hinaus gibt es nur einen Verdächtigen. Oder waren da zwei In jedem Fall gibt es keinen Raum für einen Detektiv, etwas zu tun, viel weniger zeigen sich ab. Sogar das snazzy Spielzeug, das aussieht wie etwas, das für 007 machen könnte, ist einfach nicht gut, wenn der Mann es nicht benutzt. Und wer macht diese Spielzeuge für Hong Sein der Erfinder Bald-duk, gespielt von Uhm Ji-gewonnen. Bald-Duk, wenn auch nicht sehr realistisch, hätte ein interessanter Charakter sein können: eine Dame von edler Geburt, die auf die moderne westliche Wissenschaft eingehakt wird und ein Labor in einer verlassenen Kirche aufbaut, um alle möglichen Erfindungen zu kochen. Eine Persönlichkeit dieser Dimensionen könnte die Heldin in einem vernünftigen Drehbuch sein, aber hier bleibt sie unterentwickelt und missbraucht in einer unterstützenden Rolle. Ein weiterer schlecht formulierter Charakter ist der Polizeibeamte Oh Young-dal. Wie immer, Oh Dal-Soo dreht sich in eine lustige, erstklassige Comic-Performance, aber sein Charakter wirklich nicht verdient eine solche cutesy Behandlung. Es ist immer eine schlechte Idee, in einem Charakter die Rollen eines harmlosen Clowns und eines Komplizen im Verbrechen zusammenzustellen. Keine Menge von gutem Handeln auf Oh Dal-Soos Teil kann es abziehen, aber sehr gut ein Schauspieler er sein kann. Der Film versucht, klaffende Löcher in der Geschichte und Charaktere mit Action-Szenen zu vertuschen, aber die arent so gut-gefertigt entweder. Die Jagd-Szene zwischen Hong und einem geheimnisvollen Verfolger ist ein klares Beispiel. Die städtischen Stunts auf den fabelhaften offenen Sets hätten cool sein können, oder so müssen die Macher gedacht haben, aber es hat nicht geklappt. Der Rhythmus ist unangenehm und das Timing ein Chaos. Die ganze Sequenz hier soll auf einer klaren Slapstick-Note enden, die im Skript gut aussehen könnte. Aber wo eine Sekunde genug gewesen wäre, zieht der Film noch ein paar Sekunden und das Ergebnis ist eine langweilige Szene. Das ist nur eine von vielen solchen unklugen Entscheidungen. Alles in allem glaube ich nicht, dass die Macher von Private Eye Film als Medium ihr volles Training geben. 160160160160160 (Djuna, übersetzt von ye-jung) Sanghoon, der Charakter von Yang Ik-Juni in Breathless gespielt. Kommuniziert meistens in cusswords, schlägt Leute für ein Leben auf und denkt, dass er ein gottgegebenes Recht hat, überall zu spucken. Ihr alltäglicher Kerl - nur mit all den schlimmsten Qualitäten kann man durch die Kombination von unglücklichen Zucht und schlechten Genen kommen. Sanghoon arbeitet als Verbrecher für ein Unternehmen. Sein Job ist zu schlagen und drohen schwächere Leute. Es passt ihm wie ein Handschuh. Vielleicht ist es besser für Jungs wie er dort zu bleiben, anstatt mit anderen Teilen der Gesellschaft zu verwirren - obwohl seine Opfer wahrscheinlich nicht zustimmen würden. Sanghoon ist weit davon entfernt, einen Mann mit Menschen zu machen, aber aus irgendeinem Grund hat er einige komplexe Beziehungen, die um ihn herum gehen, die dem Film Geschmack verleihen. Sein Vater, zum einen, steckt im Haus von Sanghoons, nachdem er aus dem Gefängnis entlassen worden ist. Es gibt auch seinen kürzlich geschiedenen Stiefschwester und ihren Sohn. Eines Tages hat er einen bösen Run-in mit einem Nachbarn, ein High-School-Mädchen namens Yeonhee, und wegen Yeonhees seltsamen Geschmack bei Männern (oder vielleicht ein verzweifelter Trick, um mindestens einen anständigen Charakter in den Film zu integrieren) die beiden aufbauen etwas Wie eine freundschaft Yeonhee ist mit einem totalen Ruck eines Bruders und einer gestörten Vietnam-Veteran für einen Vater belastet. Die Besetzung umfasst auch Sanghoons Freund-Slash-Chef Mansik und seine Kumpels bei der Arbeit. Diese Leute haben ein ernstes Problem gemeinsam: ihre Väter. Alle Vaterfiguren in diesem Film sind geradezu schreckliche Menschen. Sie behaupten ihre Existenz nur durch Gewalttaten. Sie tun schreckliche Dinge, die zurückkommen, um sie später zu verfolgen. Natürlich ist es nicht ganz ihre Schuld. Yeonhees Vater, zum Beispiel, ist das Opfer einer Art von Krankheit. Aber irgendwie denke ich nicht, dass er viel von einer angenehmen Person gewesen wäre, auch wenn er nicht krank gewesen wäre. Der Film schildert eine Krankheit, die Gewalt und kranken Humor ausbreitet, und Väter sind die Träger des Virus. Von diesem sprießt das Hauptdilemma des Films. Die Heilung für diese Krankheit ist, das Leben vom Vater abzuschneiden, dann laufen wie die Hölle. Die wenigen nahezu normalen Charaktere im Film, wie Sanghoons-Stiefschwester oder Mansik, haben es entweder gelungen, sich von der gewalttätigen Vaterfigur zu entfernen oder von Anfang an vaterlos zu sein. In Sanghoon und Yeonhees Fall, aber es klappt nicht so. Umstände und Blutbindungen halten sie mit ihren Vätern für das Leben verwirrt. Da sie nicht wegkommen können, versucht der Film wiederholt, sie mit den Vätern irgendwie zu versöhnen, was Symptome einer weinerlichen und unbeeindruckenden Selbstverteidigung zeigt. Sanghoon ist vor allem schon ziemlich tief gesunken, vielleicht so niedrig wie der Vater, den er so sehr hasst, also muss er drastische Maßnahmen ergreifen, um zu vermeiden, als eine Entschuldigung für die Art von Mann zu sein, den sein Vater ist, und einer, den er wird. Das ist nicht so einfach. Was der Film uns zeigt, ist wohl das Beste, was er unter den Umständen getan haben könnte. Atemlos ist ein rauer und ungeschliffener Film, der unter den Händen eines unerfahrenen Regisseurs extrem niedrigen Budget gemacht hat. Doch rauh und unpoliert ist nicht gleich mangelnde Professionalität. True, 130 Minuten sind auf der ausgesetzten Seite, und zu viele Nahaufnahmen verstopfen den Bildschirm. Auf der anderen Seite ist Yang Ik-joon s Richtung seiner Besetzung nah an perfekt, und die Linien springen direkt aus dem wirklichen Leben. Die Handlung könnte kreativer sein, aber es ist logisch genug. Der Stil passt gut zu der Geschichte, das Tempo ist angemessen, und die Musik ist gut gestaltet. Mit anderen Worten, für alle seine Rede über nicht wissen, was er tut, hat Yang ein besser gemacht Film gemacht, als die meisten Filme in der koreanischen Filmszene heute ausgeschaltet werden. Ob er die rohe Energie aufrechterhalten kann, die diese ehrlich-to-Goodness-Darstellung von Leben lebt, die während seiner gesamten Karriere sauer ist, bleibt zu sehen. Mit atemlosem Er fängt gerade an, die Worte auszuschütten, die sein ganzes Leben in ihm gären müssen. 160160160160160 Sang-hyun (Song Kang-ho), ein gequälter Priester, nimmt sich als menschliches Meerschweinchen an einer afrikanischen Forschungseinrichtung frei und arbeitet an dem Impfstoff für ein virulentes Virus namens EV (das nur infiziert Zölibat oder sexuell inaktive Männer). Das Virus tötet ihn, aber er wird auf wundersame Weise durch Bluttransfusion auferstanden. Leider kommt das Wunder mit einer ernsthaften Nebenwirkung: er verwandelt sich in einen Vampir. Nur kontinuierliche Zufuhr von frischem menschlichem Blut kann die Symptome einer EV-Infektion umkehren. Während er sich mit seiner beunruhigenden neuen Gewohnheit und Supermächten auseinandersetzt, wird Sang-hyun von Tae-ju (Kim Ok-vin, Dasepo Naughty Girls) angezogen, unglücklicherweise mit seinem Kindheitskind Kang-woo (Sin Ha-Gyun, Sympathie für Mr. Rache), ein bizarr infantiler Hypochonder, der unter dem Daumen seiner mannischen Schneiderin Mutter Frau Ra (Kim Hae-Sook, Open City) lebt. Durst Die zusammen mit Bong Joon-hos Mutter. Ist der am meisten erwartete koreanische Film 2009, eröffnet zu gut, wenn nicht spektakuläre Kassenleistung (0,8 Millionen Tickets verkauft am ersten Wochenende für die Seoul Theater). Im Gegensatz zu Park Chan-wook s Rache Trilogie, aber der Film erzeugt extreme Reaktionen von beiden Zuschauern und Kritiker. Einige Kritiken haben es als eine anspruchsvolle Bohrung oder eine schlecht konzipierte Anpassung von Emile Zolas Therese Raquin (von dem dieser Film leiht bestimmte Plot Punkte und ein Liebesdreieck zentral für die Handlung): nur wenige Kritiker haben es als Meisterwerk gefeiert. Unter den Zuschauern ist die Kluft noch breiter: Internet-Kommentare frei von einem Stück Müll bis zu dem besten Film, den ich in 10 Jahren gesehen habe. Sogar für jemanden wie mich, ein tollwütig verrückter Park Chan-Wook-Fan, war die anfängliche Reaktion auf Durst die von tiefer Unbehagen: Ich buchstäblich konnte nicht nennen, was es war, dass ich fühlte, wie die End-Credits aufgerollt wurden. Alles was ich wusste, war, dass ich es sofort wieder sehen musste. Erst nach der zweiten Betrachtung habe ich verstanden, dass das Unbehagen aus meiner Trägheit unfähig war, zu erkennen, dass Id nur ein verwirrendes, aber ehrfürchtiges Kunstwerk beobachtete, das in seiner geisteskranken, alchemistischen Verschmelzung von disparaten Genre-Elementen nahezu unbeschreiblich war. Thematically, Thirst is as a straightforward and relentless exploration of Catholic guilt as any Euro-American film I have ever seen--as painful as Abel Ferraras Bad Lieutenant . as scorching as Bunuels Viridiana -- with its profoundly contradictory attitude toward the glamour and agony of desire. The protagonist Sang-hyun, like Graham Greenes Scobie in The Heart of the Matter . is tragically, sympathetically flawed. He has enough dedication to face certain death in the service of humanity yet cannot stop his pity toward a beautiful, unhappy young woman growing into passionate love. He is powerless to stop the faithful who regard his vampirism as a sign of being touched by God: having committed a mortal sin out of love, he figuratively and literally drowns in guilt. Song Kang-ho gives yet another brilliant performance (I dont think he can just walk through a role even if his life depended on it), but it is not a flashy one: as was in Secret Sunshine . its a catchers turn that perfectly anchors the emotional content of a particular scene and at the same time generously puts the spotlight on other actors. I can only hope that Euro-American critics are not lazy (or foolish) enough to mistake the essential passivity of Sang-hyuns character for the lack of talent on Songs part. A lot of media attention has been paid to the explicit sex scenes between Song and Kim Ok-vin, an interesting choice on Parks part. He seems to have had a young Isabelle Adjani ( The Story of Adel H was allegedly one of the films Park recommended to Kim as a research material) in mind: fiery, heartbreaking, maybe a bit raw. Kim is stunningly sexy and gorgeous in both wilted-housewife and full-blown femme fatale modes, and throws all of herself into the role, but I cannot help but seeing Yeom Jeong-ah (who appeared as a fictional vampire in Parks The Cut from Three Extreme ) or Lee Young-ae as Tae-ju. Kim strikes me as a bit too young and contemporary: she does not strike as someone who could have tolerated long years of indentured servitude in exchange for meager domestic comfort. She is blindingly beautiful, I must admit, in a blue hanbok dress. The rest of the cast is equally superb: Oh Dal-soo, Sin Ha-gyun, Kim Hae-su, Kim Jee-woon regulars Park In-hwan ( The Quiet Family ), as a blind senior priest with a wry sense of humor, and Song Young-chang (the head-rocking section chief from Foul King ), as a hard-nosed former cop. Their ensemble acting in the sequence where a character tries desperately to alert the presence of a vampire to other unsuspecting guests is a piece de resistance . superior to any similar scene in Sympathy for Lady Vengeance . By now we expect not just high quality jobs but extraordinary aesthetic achievements from Park Chan-wooks regular staff, and Thirst certainly does not disappoint. Production designer Ryu Seong-hee is responsible for the uncommonly reined-in colors-bleached white and faded green-of the religious and medical institutions as well as ever-so-slightly off-kilter hues of Ms. Ras domain-deranged blues and slick browns. Lenser Jeong Jeong-hoon weaves pure magic with shadows and light, culminating in the stunning vista of the ocean spreading in scarlet red, illuminated by the setting sun, as looked on by the eyes of the doomed protagonist. Oh, is it a good vampire film, you ask It sure as heck is - the tomato juice flows abundantly in horrendous, cringe-inducing scenes of violent exsanguinations, and there are many insanely creative twists on the familiar genre staples that will either stun you into silence or make you gape in disbelief. Have you wondered how a vampire can convince a blind person that he is one Watch Thirst . Have you ever wondered whether becoming an immortal creature will heal calluses on the soles of your foot Again, watch the movie. There are at least two sequences in this film that matches in sheer audacity and jaw-dropping hutzpah the notorious long-take corridor action set piece in Oldboy . But Thirst is not an exhilarating showcase of directorial vision and filmmaking pizzazz that Oldboy was. Despite occasional insertions of absurdist deadpan humor, it is at its basis a tragic romance. And despite much bloodletting, the film is not interested in generating frisson of fear, but a deep sense of melancholy. In the end it returns, perhaps in a purer form than ever, to Park Chan-wooks starting point: the torturous reflection on the impossibility of salvation, the moral weight of sin and desire, and the agonizing scream of a man against God who may or may not exist, and may or may not love him. If Thirst were a book, it probably deserves a whole shelf of its own: regardless of ones likes or dislikes, it is a true work of art that calls out for the defense of its artistic honor by those who are taken with it, way beyond the question of ones taste in specific genres or stylistic choices. 160160160160160( Kyu Hyun160 Kim ) 160160160160 Like You Know It All The two biggest self-deceptions of all are that life has meaning and that each of us is unique. One can see that evolving a built-in obscuring mechanism for those depressing and inevitable insights might be of practical use. - Talking Heads frontman David Byrne in Bicycle Diaries (p 74). In spite of the variations spun on recurring themes in the oeuvre of director Hong Sangsoo . when you repeat so many themes, bits of dialogue, actions, gestures, and characters (his films are dominated by traveling role-players in the film community and writers and visual artists), you cant help but leave viewers with a sense of meaninglessness to the films and the dialogues and the characters. Even though we do repeat ourselves often in real life, watching the repetition of sections of dialogue in Hongs films strips them of their meaning, echoing their in-authenticity. However true it might be when our main character Director Ku Kyung-nam repeats his motivation for being on the film jury panel of the Jecheon Film Festival to an ambitious, over-eager actress and her enabling stage-mom that Many good films get buried unfairly, the sincerity is brought into question when the actress responds Like your films He takes offense to this because his words didnt have the effect hed hoped, or better yet, his own words were used against him, resulting in an awkward moment that is one of the many Hongian beats spread out throughout Like You Know It All to the delight of Hong fans sprinkled everywhere. Not just characters are repeated, but the very actors who play them. And Like You Know It All . Hongs ninth film, repeats actors like no other. Three Hong alumni pepper this film. Kim Tae-woo of Woman Is the Future of Man and Woman on the Beach is our film director Ku Kyung-nam Uhm Ji-won returns from Tale of Cinema to be out first female, Gong Hyun-hee playing the festival director of the Jecheon Film Festival and Ko Hyun-jung finds herself on a beach again after Woman on the Beach as the second female, Ko Sun, the May wife of a December husband who happens to be a revered senior artist of Jeju Island. This film can be separated into two blocks like many of Hongs other films. We begin at the bus stop where Ku (the subtitles reference last names, so Ill follow that pattern) is picked up at a bus stop to be a part of a jury at the Jecheon Film Festival. We begin again at the second section where Ku is picked up at the airport by an old friend who now works for the Jeju Film Commission and teaches film at the local university, which is why Ku is there, to give a lecture and pick up a stipend for the effort. Both times he is picked up, the welcoming person was delayed because they had to pick up bread. The repetitions begin early, and dont stop. And these Like You Know It All repetitions seep into the Hong films that preceded it. In the Korean Film Council Korean Directors Series volume devoted to Hong, American film theorist and writer David Bordwell notes Hong has remarked that he is less interested in a dramatic structure than a pattern, and his narrow repertoire of situations allows us to perceive echoes and variations among the actions. This geometric model of storytelling has pushed him beyond his contemporaries looser, more anecdotal and additive narrative strategies (p 24). In Like You Know It All . Hong continues the arm-wrestling, extending back to the film before, Night and Day . Ku sees a frog in the swimming pool like the insect in the planter of The Day a Pig Fell In the Well or the random dog in The Power of Kangwon Province . Ku will find himself wounded literally in accordance with Hongs metaphorically wounded males, just like in Hongs other films. Hong even covers up the cause of the wound on Kus cheek with a reference to an actual scene that happened in Turnging Gate . claiming a few thugs beat him up because One of them said I was looking at their girls legs. In Turning Gate our male tries to cover up that he was looking at a womans legs by saying he was looking at a poster above the woman. Here Ku covers up the bizarre reaction of a former friend with what was covered up in a film before. It is this repetition that keeps Hongs films from being unique, yet making Hongs oeuvre unique at the same time. They are one long treatise on the inability to be authentic, to be sincere. It is a treatise on the inherent meaninglessness of our words and actions, and by extension, the meaninglessness of cinematic signifiers, such as his refusal to announce his characters dreams. As Korean film critic Huh Mooning (the editor of the previously mentioned KOFIC book on Hong) argues, In Hong Sang-soos films, meaninglessness is more strongly experienced than meaning. His film is a form of meaninglessness (p 10). Even more so, . his films have questioned the nature of movies and redefined it (p x). The supreme irony of Hong Sangsoos films is that he takes an artistic medium that the very patrons of which find so meaningful and shows that audience the inherent meaninglessness in the medium. And the further irony is this is what makes his work so meaningful to the small group of us who follow and anxiously anticipate his films. As Bordwell also points out, Hongs films are memory-tests. His films require re-watching because you want to go back to previous scenes to check if you recall correctly. His scenes are like the cards you flip in a game of memory. And by repeating dialogue and actions and themes throughout his films, you are enticed to not only re-watch a single film, but to re-watch past Hong films. His films are perfect for DVD technology since his films are their own DVD extras in that they propel you to click back to previous scenes, and previous scenes in previous films. Interestingly, Hong Sangsoos memory-testing oeuvre arose at the very moment when our memories have been augmented by the technologies available to those of us who can afford them. As Viktor Mayer-Schoumlnberger details in his excellent book Delete: The Virtue of Fogetting in the Digital Age . we have entered a rare time in history where remembering has become the default rather than forgetting. Previous to our present now, the cost of remembering (be that cost monetary or time-intensive) had well exceeded the cost of forgetting. But with the internet storing exponentially the words, acts, and images of our past, along with the reliable searching and aggregating mechanisms enabling efficient retrieval of these data points, our technologies remember while our human minds are still programmed to forget. Hong films dont let you forget even while his characters are forgetting. At the same time his characters are claiming they have excellent memories, (such as in this film with Ku and his mentor artist Yang battling over whose memory is more excellent during one of Hongs obligatory group drinking sessions), Hongs films prove those memories faulty in that the slight variations of similar scenes brings into question the reliability of our memories. Plus, his refusal to prompt dream sequences makes them real while at the same time dreaming the real. And with the modern technology of DVD players, and even more so the inevitable, future searching algorithms that will allow scenes to be searched like Google now allows for the text of books, we can immediately pinpoint the past scenes Hongs films motivate us to recall in their slight variation. Yet Hong demonstrates that even with the expansive external memory banks that film in internet form might provide, each fragmented scene allows for multiple interpretations of meaning, multiple interpretations of meaningless meaning, therein providing their meaning. Hongs films are an endless tape loop, a Moumlbius strip that collects Escher ants as we travel along its form. When a college student who was demure to Director Ku outside the classroom before watching his film in class, a film she claims to have seen before, responds bluntly that she doesnt understand why he makes the films he does, arguing, perhaps correctly, that people dont understand his films, Director Ku response is close to an outrage. If you dont get it, then you dont. I just make them and the rest is up to you. My films are not dramas that youre used to. No clear messages, ambiguous at best. No beautiful images, either. I can only do one thing. I jump into the process without preconceived ideas. I gather the pieces I discover and make them into one. You might not like the result. No one might. I swear Ive heard Hong make similar comments at post-film QAs or conversations Ive personally had with him, a clear moment where Hong has brought himself into his film. After questioning Director Kus proclaimed modesty, stating that his films are irresponsible, she makes the best summary of Hong and why his films fall so flatly on so many, yet resonate so deeply with the small number of us whove grown to love his films, Youre not a film director, but a philosopher. 160160160160160( Adam Hartzell ) 160160160160 Castway on the Moon Mr. Kim has lost all hope. One day he stands at the edge of one of Seouls famous bridges that cross the Han River and jumps into the swirling water. All goes black. However the following morning he awakens with the sun in his eyes and his face in the sand. This isnt heaven, he has drifted to one of the small uninhabited islands that lie in the middle of the Han River. At first he is merely frustrated that his suicide was a failure, but soon he realizes that he faces a more immediate problem. There is nobody else on the island -- nothing but plants, trees, the odd duck and bits of trash. The far edge of the river is well within sight, but Kim never learned how to swim. His efforts to contact the mainland fail. He is stranded, there is nothing to eat, and even though he is in the middle of one of the worlds major metropolises, he has become a modern-day Robinson Crusoe. Kim will eat a lot of mushrooms in the coming weeks and months, and his isolation will slowly but surely start to change him. But there is another unexpected character in this drama. A young woman, also with the surname Kim, lives in a riverside apartment building. Like the hikimori portrayed in Bong Joon-hos Shaking Tokyo (from Tokyo ), Ms. Kim is a recluse who has not ventured out of her room for years. One day she is peering out her window with a pair of binoculars when she catches sight of the strange disheveled man on the island. His actions mystify her, and then gradually intrigue her. Eventually she will be moved to do the unthinkable: to step outside her apartment building and enter into a strange sort of communication with him. Castaway on the Moon can lay claim to being one of the more creatively imagined films produced in Korea in recent years. It makes the most out of its unique setting, but at its core it is a fairly simple character-based drama about two sensitive recluses. Director Lee Hey-jun seems to take a special interest in social outsiders. His debut work Like a Virgin . co-directed with his friend and working partner Lee Hae-young, centered on a short, pudgy high school boy who dreams of getting a sex change operation. Both films present their heroes predicament with warmth, understanding and sense of humor. For a film such as this, acting is crucial, and Lee succeeded in casting one of contemporary Korean cinemas standout actors in Jung Jae-young ( Welcome to Dongmakgol . Someone Special ). Jungs deadpan comic performance is a good match with the directors style, and he creates sympathy for his character without ever pandering to the audiences emotions. Ms. Kim is played by Chung Yeo-won, who grew up in Australia and started her career as a pop singer before debuting as an actor. This is her second leading role in a feature film. (Incidentally, she was enrolled as a student in my Practical English class at Korea University back around 2000, but I guess thats neither here nor there. ) If we are meant to see the two central characters in this film as being broadly compatible, there are nonetheless significant differences between them. The man becomes isolated from society by accident, and yet his experience turns him into something greater than his former self (though he may no longer be able to readjust to modern society). The woman isolates herself from society by choice, but this is portrayed as something damaging, as a condition that needs to be overcome. In observing the man and starting to interact with him, she is slowly drawn out. Why is the mans seclusion a positive experience, and the womans a negative one Is it simply that the man has gravitated towards a more natural state, while the woman has moved away from it Personally, I found this film interesting, but I couldnt shake the feeling that it wasnt quite reaching its potential. I was also left wishing at the end that there had been a bit more real communication between the two leads. However I seem to be in the minority here -- most people I talk to adore this film. For its unique setting if nothing else, it deserves a look. 160160160160160( Darcy Paquet ) Bong Joon-ho s new film Mother begins with a tease: Do-joons Mother (Kim Hye-ja, Palace ), in an embroidered violet jacket, walks toward the camera through a field of tall grass. Soft jazz-funk begins to play on the soundtrack. Gazing offscreen, she stops walking, then hesitantly starts dancing to the music. Well see her in the same field later in the movie, but not dancing. Do-joons Mother lives with her son Do-joon (Won Bin, Taegugk . Guns and Talks ) behind the murky shop where she sells medicinal plants and roots, and practices acupuncture without a license on the side. Do-joon is very good looking (hes played by Won Bin, after all), but hes not quite right in the head, rather like Song Gang-hos character Gang-du in The Host . and like Gang-du, there is a hint that his impairment is his mothers fault. Hes not retarded, but his dullness is difficult to define: he has no attention span to speak of and a poor memory at twenty-seven he still sleeps with his mom, with a hand on her breast. He hangs around with Jin-tae (Jin Ku, A Dirty Carnival ), whos also good-looking in a bad-boy way, and is a bad boy - a tough, cynical hustler who feels constrained by his small-town life and dreams of adventure. Still, Jin-tae seems to have nothing better to do than hang out with Do-joon. He taunts Do-joon for being a virgin at his age. Jin-tae doesnt seem to have any family, and lives alone at the edge of town. Theres a lot of this in Mother . one high school character lives with her half-senile, boozing grandmother, intact families are not much in evidence. (For a traditional society like Korea, its films and TV dramas feature a surprising number of one-parent families and broken homes.) Do-joon and Jin-tae are already in trouble with the police for vandalizing a Mercedes-Benz that knocked Do-joon down in the street. Then a high-school girl is murdered, and a clue connected to Do-joon is found near her body. Relieved that their first murder case in living memory is so cut-and dried, the police pack Do-joon away. He insists that he didnt kill the girl, though he saw her the night she died. Frantic, his mother sets out to prove Do-joons innocence. Her blundering efforts draw Jin-tae into helping her to play detective, and they poke around the seamy underside of the town. Jin-tae enjoys himself: This is in my blood he exults after beating up a couple of suspects, I should have been a cop. In jail, Do-joon tries to dredge up details from the sieve of his memory, often coming up with details that make matters worse, while his mother closes in on the girls real killer. or maybe not. before returning to that grassy field. Kim Hye-ja is famous for playing mothers on Korean TV, and it must have been interesting for her to play such a double-edged role. Taking the melodramatic archetype of the Mother to extremes, Kim plays a mother whose symbiosis with her son is nearly complete, yet Bong and Kim manage to keep the character from being monstrous. (The archetype isnt just Korean: the mother who sacrifices everything to save her accused son is a mainstay of American country music, for example.) She does a great job, and one of the main pleasures of the movie is watching her. Won Bins Do-joon seems like a change from his usual pretty-boy roles, but since the people around Do-joon comment ruefully on his good looks (another of Bongs jokes, I suspect), its not that big a leap. Jin Ku plays Jin-tae energetically, full of frustrated vitality, and by the end turns out to be a bit more sympathetic than youd expect. If youve seen Bong Joon-hos earlier movies, youll have some idea what to expect from Mother . Bong says that he chose the English word mother as his title to avoid the associations of the Korean word omoni . but its probably no coincidence that the Korean pronunciation of mother also sounds like the Korean pronunciation of murder. He likes to build his stories around ordinary people the characters of his first feature Barking Dogs Never Bite -- a college professor and his salarywoman wife -- were as upscale as he gets. Since then his protagonists have been small-town cops ( Memories of Murder ), a family that runs a food stand by the Han River ( The Host ), and now a small-town widow. His manner is operatic: reactions, facial expressions, sound design, even the weather (see the use of rain in Mother ) tend to be over the top. Even Won Bins stupefied look is rapturous in its dullness. Typically for Bong, there are plenty of small jokes at the expense of movie clichs - misrecognitions, comically inappropriate reactions - jokes that make you wince as you laugh. In this and in his operatic excesses, Bong is reminiscent of Pedro Almodovar - think of All About My Mother - and if you like Almodovar you may like Bong. (Come to think of it, Lee Byeong-woos music reminds me of the music in Almodovars films.) Hong Gyeong-pyos photography captures the grittiness of decrepit small towns and the working poor theres a lot of grey and murk, and even the blood looks dark and muddy. Mother is a retreat in scale after the CGI-heavy science-fiction blockbuster The Host . but an advance in confidence and style. It even contains his first sex scene Its been obvious since Memories of Murder that Bong is a director worth watching, and Mother confirms it. 160160160160160( Duncan Mitchel ) A Catholic chapel in a girls high school, in a stormy dark night. Four young faces are illuminated by candlelight. Friends who have made a pact to commit suicide, they proceed to climb to the roof of the building. However, only one of them, Eon-joo (Jang Gyung-ah), jumps to her death, her mangled body to be discovered by her shocked sister Jeong-eon (Yoo Shin-ae). The surviving members of the pact, So-yi (Son Eun-seo), Eun-young (Song Min-jeong) and Yu-jin (Oh Yeon-seo), begin to sense the presence of the dead Eon-joo. The redoubtable Whispering Corridors series, not only one of the few successful film franchises in Korean cinema but also a platform through which many talented actresses have been launched into stardom (Gong Hyo-jin, Kim Min-seon, Song Ji-hyo and Kim Ok-vin to name just a few), is celebrating its tenth anniversary in 2009. Given the disastrous environment in which Korean filmmakers have struggled in the last few years, perhaps we should just be thankful that the series was able to come back at all. Unfortunately, the fifth installment is probably the most generic and lackluster of the lot. This does not mean that A Blood Pledge is devoid of any merit. Director Lee Jong-yong . promoted from assistant work for Park Chan-wooks JSA . while taking on an ultra-topical subject of group suicide, goes for the jugular. I find his refusal to burden the film with superficial discussions of the malaise of Korean school system as well as his decision to resolutely stick to the conventions of Gothic horror (this is the kind of movie in which an important prop symbolizing political power is a key to the Catholic chapel, preserved in a velvet-inlaid, ornate jewel box) rather admirable. Sure, some of the scare tactics are obvious, but what do you expect from a summer horror film And yet, director Lee also takes some critical missteps, avoided by all other helmers of the series so far. He over-burdens his young actresses with reams of convoluted, emotive expository dialogue, few of which actually serve to enlighten the viewers. Poor girls struggle through the breathless sentences like rookie recruits in a boot camp with extra-heavy backpacks: only Yoo Shin-ae emerges relatively unscathed. Despite his visible effort to construct a decent psychological mystery, director Lees failure to create three-dimensional characters leave us rather blas about the ultimate motivation behind Eon-joos haunting. Finally, the film has two or three truly embarrassing moments of non-special effects, including a laughable exploding head gag that I sincerely hope will be deleted from the export version. While not the worst Korean horror film in recent memory by a long shot (Are you kidding Oetori . Death Bell ), A Blood Pledge is nonetheless a disappointment. Lacking the elegant lyricism of Memento Mori . the disturbing metaphysical implications of Voice . or even the lurid psychodrama of Wishing Stairs . A Blood Pledge is an obtusely sincere horror film in a series known for a remarkable mixture of ingeniously induced frisson and unexpectedly moving art-house touches. 160160160160160( Kyu Hyun 160Kim ) Min-seo is a high school student who feels frustrated and angry at the state of her life. Her friends all take after-school classes at study institutes, but her single mother cant afford to pay for them. With her mother preoccupied with a new boyfriend, Min-seo has nothing to do during the hours after school (that is, if she goes to school), and she eventually gets an under the table job at a massage parlor in order to pay for English classes. One day she is riding the bus when a migrant worker from Bangladesh drops his wallet. The man exits the bus, and Min-seo takes the wallet for herself. However the man, named Karim, soon realizes what happens and manages to chase Min-seo down in a side street. Lets go to the police station, he says in excellent Korean, but Min-seo manages to talk herself out of trouble. Instead, she eventually agrees to help him with a problem that has long haunted him: trying to collect his back wages from a former employer who refuses to pay him. Min-seo and Karim are one of the more interesting pairings in 2009 Korean cinema. Min-seo is particularly well drawn: rebellious and not particularly nice, she is an unpredictable and magnetic screen presence. Although at first her actions are driven by a kind of self-focused anger, as the film goes on and she draws closer to Karim, her anger takes on a different quality. The young actress Baek Jin-hui puts tremendous life into this performance, and her character is without question the best thing in this film. Karim is played by Mahbub Alam, a longtime resident of Korea who entered the country as a migrant worker and who has since become involved in various activist projects, including the launch of the Seoul Migrant Workers Film Festival. He shows himself to be a decent actor in this film, as well as an accomplished Korean speaker, although his character lacks the sort of emotional complexity that we see in Min-seo. (Alam also appeared briefly in Where Is Ronny . another film from 2009 that explores Korean attitudes towards Southeast Asian minorities.) In a sense, Bandhobi is two films in one: a story about two people from very different backgrounds who come to form a close bond, and a piece of social commentary about discrimination against migrant workers in Korea. If the latter had been executed as effectively as the former, this film would have been a major achievement. Alas, there is a one-dimensional quality to the films political content that clashes with its three-dimensional characters. Every time we see Karim interacting in Korean society, someone discriminates against him. This may well be true to the experiences of many migrant workers, but within the film itself it becomes so predictable that the directors intention crowds out everything else. This is a rare misstep for Shin Dong-il . who in the past five years has established himself as one of the most interesting among the Korean directors who havent yet become famous. His previous works, including Host Guest (2005) and My Friend His Wife (2006), have also drawn attention to social issues and class differences through well-developed, complex characters and relationships. Bandhobi s best scenes capture the viewers attention in a powerful, involving way. If Shin let his politics become a little too obvious this time, other aspects of his filmmaking are still in top form. In this case, even a partially realized effort is well worth watching. 160160160160160( Darcy Paquet ) Patrolman Kim (Uhm Tae-woong, Handphone . Family Ties ) is kicked off to a mountain town due to a jokey report he filled in, supposedly idyllic and crime-free. The towns mayor and other bigwigs are scheming to bring in and scalp the Seoul folks eager to experience organic farming. There is only one problem: the surrounding areas food-chain imbalance has unleashed a steamroller-sized boar that has developed taste for human flesh. After it devours a few townies, including the veteran game hunter Cheon Il-mans (Jang Hang-sun, Tell Me Something . The Foul King ) daughter, the big-shots reluctantly organize an ad hoc team of boar hunters, led by a Finland-trained professional Baek Man-bae (Yun Je-mun, The Host . Mother ). Tagging along with Il-man and Man-bae, who promptly rekindle an unresolved father-son conflict from the past, are hapless Patrolman Kim, wild boar expert Soo-ryun (Jeong Yu-mi, Family Ties . Blossom Again ) and the shades-wearing Detective Shin (Park Hyuk-kwon, Open City . TVs The Great White Tower ). Chaw (This apparently means trap in Chungcheong Province dialect) is a mighty strange movie, even considering that it is about a man-eating pig(Seriously, a wild boar is plenty persuasive as a movie monster, as Russell Mulcahys Razorback . among others, testifies). For about its first third, the movie seems willing to stick to the conventions of monster-on-the-rampage films, introducing innocent victims to be slaughtered and showing the towns effort to whitewash real dangers for the tourists, a la Jaws . Then the film begins to mutate into a horror comedy with positively bizarre setups and wildly surrealistic touches. For sure, some of the films off-kilter humor had the preview audience in stitches: an Aliens parody in which a snickering local cop, sequestered in a cockpit-like drivers seat of an excavator, gets down mano-a-bestia with the very angry boar, for example, is simply priceless. Yet, for every one of these winners, there is another totally mind-boggling scene like Baek-mans dog hurling sarcasm at him telepathically () in Russian (), or the towns resident madwoman smoking opium () reclining in her forest abode, where multicolored mushrooms (. ) sprout everywhere. By the two-thirds of the film, you might indeed be wondering just what substance Director Shin Jeong-won (whose previous film, To Catch A Virgin Ghost . was dopey-crazy in the same style, but not to this extent) had himself been partaking of in the course of production. The surprise, then, is that, despite all these bizarre touches and weird goings-on, Chaw ultimately registers as superior entertainment. Lets be clear about one thing, though: Shin displays little aptitude for an action thriller. Hes no Spielberg--shucks, hes not even Joe Dante: Chaw s big monster is simply lame, especially whenever it has to ever so slowly chase after hapless humans. In terms of special effects, too, the hog ranks somewhere between the levels of Acceptable and Pathetic. Chaw s strengths lie elsewhere. For one, it is blessed with an excellent cast who convincingly rattle off its insanely colorful dialogue. Even though the characters are sometimes thoroughly unrealistic, they are nonetheless hugely attractive. Most importantly they dont insult the viewers intelligence: for instance, Detective Shin actually deduces that there is indeed a man-eating pig from the clues he put together. Their arcs intersect in pleasantly surprising ways, too: Soo-ryuns relentless sunny disposition turns out to be a perfect antidote to Man-baes camouflage of hardened cynicism. At the center of all these crazy antics, Uhm Tae-woong is perfect as our (relatively speaking) normal hero: his absurdly commonsensical response to the surrounding chaos becomes mercilessly hilarious by the climax. Part Monty Python-like parody of Hollywood disaster films, part conventional monster horror, part surrealist situation comedy (), Chaw is the kind of film that makes you shake your head in disbelief more than once, but also keeps you laughing. I do wish Shin had reined in some of the films excesses (including an afterthought-like epilogue that explains the ultimate fate of a character) and was given a chance to improve on the creature design and execution of special effects, but what ended up on screen, while lacking in bite, has a pleasing, unique flavor of its own. 160160160160160( Kyu Hyun 160Kim ) Haeundae became the fifth South Korean film to break the 10 million admissions mark. It made a lot of money, but it didnt make much else. Thats a trite statement, I know. Typing such a statement requires I ignore the fact that in making a lot of money, that money spread around the Korean peninsula like the pixilated tidal waves of the film throughout the beaches of Haeundae. And depending on how that money was spent elsewhere in the economy, it made other things. By creating a financially successful blockbuster, it allowed for friends, families, and both well-trenched and tentative romantic partners to create an eventful evening. And more with the money, they possibly ate before or after the film at an independently-owned restaurant or drank coffee before or after the film at a corporate coffeehouse. But as for giving us something to talk about as a cultural touch point with lasting power, theres not much there. Even Shiri brings up even more interesting things to discuss than Haeundae . But talk about it we must, because this website is as much a film aggregator as it is a place for pinpointing the significance of South Korean films. So lets get the plot out of the way. Claiming to be South Koreas first disaster movie, director Youn Je-gyun ( Sex Is Zero and My Boss, My Hero who also goes by just JK Youn) takes advantage of Busans tourist beaches as an opportunity to destroy tall buildings and holiday-goers with a tsunami. With the devastation caused by a tsunami in Thailand a few years back, non-diegetic fears and images travel along the current of the computer-generated images of insanely-storey-ed waves. Here are the characters we are asked to care about. There is a wealthy young woman on holiday with friends from Seoul who falls for a local member of the Coast Guard. We also have a seaman (Sol Kyung-gu. a great actor choosing yet another bad film, although Im sure he got paid nicely) who longs for the daughter of a fellow seaman. Unfortunately, that fellow seaman died while at sea during a tsunami years ago and our surviving seaman feels responsible for his death, which leaves our survivor hesitant in consummating his affections for the daughter. Then theres the geologist (Park Joong-hoon returns) who has a genre-demanding, outlandish theory about mega-tsunamis which the genre equally demands his colleagues find unconvincing. Plus, he provides a third love interest storyline when he runs into his divorced wife who has a daughter he thinks hes seen somewhere before (such as his mirror, because its his daughter but his daughter doesnt know that). Still more, we have an ambitionless adult child frustrating his mother. And rounding things off is the misunderstood hotel developer. As for all subgenres of the larger porn genre, the interest lies in the haptic pleasures of the expected spectacles. And Haeundae does have some impressive waves. Polygon Entertainment in California was responsible for the water effects, having proved themselves adept in films such as The Perfect Storm and The Day After Tomorrow . But ever the patriot, Youn commissioned other CG scenes to be done by Seoul-based Mofac Studio. (Mofac stands for Motion FX and Creativity.) As Youn noted in the September-October 2009 issue of Korean Cinema Today . Creating water images with computers is one of the most difficult tasks in visual effects. Since such technology has yet to be developed in South Korea, Youn went to the experts at Polygon. Yet, Youn also provided Polygon with a challenge. The most notable factor is that the movie takes place during the day so that we had to describe all the details of water flows and delicate water sprays. This is why most previous disaster movies have waves hit at night time. So Haeundae took water CG technology further. Plus, Youn was able to convince Hans Uhlig at Polygon to permit Mofac Studio to have access to Polygons water effect technology in order to complete many of the scenes in the film. In the end, according to an article on Mofac Studio for the November-December 2009 issue of Korean Cinema Today . Mofac Studio completed around 600 of the 700 CG cuts and ended up redoing all but 2 of the CG cuts done originally by Polygon. As a result, Youns cinematic diplomacy has assisted in further developing South Koreas CG technology and the industries attached to it. In this way, the tidal waves become a metaphorical and literal representation of what we can expect from South Korean cinema technologies in the future. So it looks like I can talk a little bit about this film. That is, as long as I ignore the importance of a nuanced story like the principals of Haedundae did. 160160160160160( Adam Hartzell ) Hee-jin (Nam Sang-mi, The Spy Girl ), a college student, confronts her evangelist-Christian mother (Kim Bo-yeon) about the sudden disappearance of her younger sister So-jin (Shim Eun-gyung, Hansel and Gretel ). The mother obtusely keeps praying to the Lord, and the police detective Tae-hwan (Jang Jin regular Ryu Seung-ryong) dismisses the missing girl as a runaway. To her increasing consternation, Hee-jin uncovers disturbing details about the neighboring apartment residents and their possible exploitation of So-jins spiritual gift, led by a witch-like local shaman Kyung-ja (musical actress Moon Hee-gyung). She is plunged into a full-blown nightmare, when the neighbors begin to commit suicide in most gruesome manners, apparently guided by the presence of So-jin. Possessed . a feature film debut of a former architect Lee Yong-ju . is, simply put, one of the best horror films to come out of Korea in recent years. Although not entirely free from influences of the popular genre staples (one nightmarevision sequence directly riffs on Ring ), the film is strikingly original in its design and conception, and shrewdly restrained in its manipulation of the generic elements as well as audience expectations. At the core of Possessed lies a surprisingly serious exploration of the ontology of the supernatural and the dark consequences of blind religious faiths, Christian or shamanistic. The ultimate meaning of So-jins seemingly supernatural abilities, illustrated with hair-raising visual flair by director Lee, in the end remains obscure, although he makes sure that the viewers leave his movie with the definite impression that something or somebody is out there . observing and even listening to us, perhaps not always with a benevolent intention. Yet Possessed does not stint on the boogaboo factor either. Atmospheric and moody, but also mercilessly pushing Pavlovian buttons whenever called for, it is full of impressive set pieces, including a startling shamanistic-ritual-gone-horribly-awry sequence, poetic and austere in equal measure. In a few scenes, such as Hee-jungs frightening vision of a crane-like spectral bird, Possessed scales the peak of horror aesthetics that successfully combines beautifully lurid neo-Gothic sensibilities of a Michele Soavi or a Dario Argento and Zen-like contemplative creep-out of Kurosawa Kiyoshi. Possessed is not perfect: Tae-hwans sudden hostility toward Hee-jin, for instance, is less than convincing. I also wish the ending was less tastefully ambiguous than it is. In the end, though, the film is so strong and well-made that it is difficult not to look forward to Lee Yong-jus next project. If Possessed is Lees Knife in the Water . then one shudders (with anticipation) to think what his Repulsion or Rosemarys Baby might be like. 160160160160160( Kyu Hyun 160Kim ) Hyung-kook (independent film veteran Yim Hyung-kook) and Young-ae (Yang Eun-yong, Inner Circle Line ) have recently moved to Seoul, with a young daughter. Hyung-kook takes on the responsibility of a factory chief, while Young-ae tries hard to fit in with the local church network, befriending Deacon Park (Choe Jeong-u, Marine Boy ) and his wife (Kil Hae-yeon, Seven Days ). Dark shadows begin to haunt Hyung-kooks dreams, however, specifically in the form of a faceless figure emerging from black waters of a fog-bound lake. Young-ae is disturbed that their daughter (Ryu Hyun-bin) displays unusual closeness to the deacons demented mother. She is then confronted by the possibility that the latter might have been assaulted to death by Deacon Park and his wife, in the name of faith healing. The unfortunately titled Pot (the Korean word, dok, carries the dual meaning of pot and poison) was one of the few pleasant surprises in the 2009 summer season. It, along with Possessed . is a superior horror film that reconfirms the resilience and elasticity of the genre and its capacity to showcase talents of the debuting Korean directors. Intriguingly, it shares a few thematic threads with Possessed . most notably a critical stance toward certain fundamentalist (to be precise, fanatical) Christian practices. If anything, The Pot is even more uncompromising in exposing the shocking excesses that some evangelical Christians in Korea have resorted to. And yet, it obviously reflects the viewpoints of practicing Christians: unlike Possessed . which treats its supernatural presence as an impersonal and ultimately incomprehensible force, The Pot zeroes on the sins committed by the protagonists and the guilt invoked by them, but with a welcome dose of (dare I say Christian) compassion and forgiveness. As Hyung-kooks faade of a happy middle-class family crumbles around him, the movie unflinchingly examines the way in which the so-called church elders, blinded by their own sense of authority, (mis-) leads him away from a path of reconciliation. Indeed, the horrific (and bloody) climax of the film is triggered, not by the vengeful return of the ghost, but by an ostensibly noble ritual of spiritual cleansing gone terribly wrong, grotesquely corrupted into a rite of psychological and physical abuse. The Pot is not as technically and aesthetically accomplished as Possessed . it more glaringly displays limitations of low-budget filmmaking, and the scare tactics it employs are pretty standard. Writer-director Kim Tae-gon . however, compensates this lack of sophistication and pizzazz with well-considered direction of his cast, who delivers uniformly good performances. Yim Hyung-kook is very impressive in a role that could have easily turned into an annoying genre clich. it is a testament to his meticulous characterization (under Kims direction) that the viewers dont feel like secretly rooting for his early demise, no matter how unreasonable or deliberately obtuse his character becomes. We would like to see more of Yang Eun-yong, too, a strikingly attractive but unconventional presence who has flown under the mainstream radar so far: she deserves her own vehicle a la Kim Ji-soo in This Charming Girl . Even the child actress Ryu Hyun-bin is admirably restrained. The Pot is in the end more of a psychological thriller than a straightforward horror film, but lets not split hairs here: we will accept a good movie when it comes around, regardless of its genre pedigree. And we will be awaiting Kim Tae-gons next film with high anticipation, as well. I should add that the film is a Graduate School of Advanced Imaging Science, Multimedia and Film at Chung-Ang University production: the program deserves kudos for helping director Kim complete his project and introduce it into the larger public. 160160160160160( Kyu Hyun 160Kim ) 160160160160 Treeless Mountain Korean-American Kim So-yong s sophomore effort Treeless Mountain finds its place on these pages because it was funded partially by the Pusan Promotion Plan, the dialogue is entirely in Korean, and it was filmed in various locales in South Korea. (Lee Chang-dong even found Kim the actresses that play the aunt and mother in the film.) We often shorthand globalization to mean United States cultural works taking over the world. However, Treeless Mountain is an example of a need for a more nuanced understanding of globalization. At the assistance of the South Korean film industry, (both financial and networking assistance) Kim was brought back to her hometown (the farm in the third section of the film is in the town where Kim grew up with her grandparents) to make a film that would resonate with Korean audiences as well as the global film festival circuit. Such is not globalization as it is normally spoken of in soundbites or written of in shorthand. Treeless Mountain is a triptych of abandonment, first by the father, than the mother, than the aunt. The middle section is quite heart - and soul-breaking, but the bookends are subtlety reassuring in the way the mother (Lee Soo-ah) interacts with Jin, her oldest daughter (played by Kim Hee-yeon, a first-time actress scouted by director Kim from observing primary school students in South Korea), and Bin, her youngest (played by Kim Song-hee, another first-time actress whom Kims South Korean intern found through volunteer work at a foster home). Particularly poignant is the mothers caring handling of Jins bedwetting, allowing for a comparison point when her aunt (Kim Mi-hyang) is not so compassionate. (Knowing her aunt wouldnt be so kind, Jin concocts a plan of deception at the expense of her sister.) And near the end of the film, the grandmothers (Park Boon-tak) day to day rituals and loving approach allow for recovery from the harsh treatment by their aunt. Their aunts treatment, however, isnt overly stylized cruelty. She doesnt beat them. The aunt simply doesnt want the responsibility imposed upon her and takes that imposition, and the fact that her life at that point isnt going so well, out on them. (Her willingness to take them in is likely due to guilty feelings about her brothers abandonment of them and the expectation that the mother would return.) She gets fed up with the kids easily and speaks to them unkindly and delves out punishments with disregard for the plight of the children. Its director Kims decision not to portray the aunt as violent, nor her actions as solely the result of her addiction, an addiction that is patiently revealed to us, coupled with the subtle exhaustion of the mother and the casual, everyday, kind approach of the grandmother that most endears this film to me. Kim is not relying on Manichean clicheacute of good and evil to propel her plot. We gradually get to know her characters and the binds they find themselves in. They are still held responsible for their actions, but the world that constrains them, including economics, is not left out of the picture. Treeless Mountain won awards at festivals in Berlin and Dubi. It also won the Netpac Award at the Pusan International Film Festival. The wealth of producers involved even won the Producers Award at the 2009 Independent Spirit Awards in the United States. (One of those producers was director Bradley Rust Gray, Kims husband. They alternate projects where each takes the directorwriter helm while the other assists their partners project in the producer and editing chairs, along with being a constant sounding board for the direction and screenwriting. As Dennis Lim noted in The New York Times . Kim and Gray are that rare artist couple that have hit on a working method that is both equitable and harmonious. Besides Kims direction, much of this films impact can be held responsibly in the hands of their cinematographer (Anne Misawa) who captures some gorgeously-hued horizons. Equally mesmerizing are debut performances of the two young actresses. As a result, the greater whole of Treeless Mountain has me rethinking my critical approach to globalization if such is the mechanism that serves up cinematic gems like this alongside greasy burgers and overly-sugared, blended milk drinks where espresso is an afterthought. 160160160160160( Adam Hartzell ) 160160160160 Let the Blue River Run Perhaps the most powerful sequence in director Kang Mi-jas debut Let the Blue River Run is Cheol-yis mother carrying the heavy literal burden of mixed-concrete up several flights of stairs, her job in the underground economy, (that ironically has her climbing above ground), as an undocumented Korean-Chinese migrant. She has taken on this back-breaking job in order to provide for her family back home. This hard-labor is juxtaposed with Cheol-yi (Nam Cheol), her son, racing through his little part of Yanbian, China on a motorcycle paid for by his distant mothers labors. Cheol-yis mothers plight is presented through action rather than words, through the repetition of performing strenuous work rather than the explication of dialogue. Juxtaposing this geopolitical reality with the drowning out noise of a high school boy lost in the cool world of his motorcycle vividly points in the direction of where this film is headed in a way that we will remember more than we would if we only had lines to quote from the film. That excellent sequence underscores what doesnt work so well in Let the Blue River Run . The dialogue delivered by many of the high school characters in the film seems forced or too cutesy at times. Yes, these are high school students in a region about which I have no knowledge, but I gather actual conversations among these 17-years-olds would be less hes so cool deliberate and aw shucks-y earnest, at least not all of the time as this film conveys. The moments that work between Cheol-yi and his love interest Suk-yi (Kim Ye-ri) are their moments of silence pedaling next to each other. These moments representing a muted bond work better than their cringe-worthy chatroom dialogues. But perhaps I am merely exposing my lack of contact with high school kids, and specifically a lack of familiarity with high school kids from Yanbian. Kids can be excruciatingly or endearingly earnest at times. Still, the tactic of communicating what kids are typing in chatrooms by having their mouths verbalize as they type doesnt work and doesnt seem to ring as true, at least not when such a technique is used so prevalently. (South Korean films have been leaders in presenting texting cinematically via playful use of hangul hovering on screen. Such would have been better used during these chatroom conversations, but a limited budget might have prohibited such efforts here.) Let the Blue River Run is not a terrible film. Some might find Cheol-yis mothers narration somewhat forced too, but I actually appreciated how she sounded as if she were reciting poetry, adding an ethereal note to the parent who is absent but whose memories are always tied to present surroundings. But, again, the forced moments of high-schooler dialogue simply limit the impact the film can have. And little impact it did have on the average South Korean cinema-goer, trickling in less than 40 tickets in its release on only three screens. Still, this film is a valuable addition to the Yanbian Korean-Chinese genre in South Korean cinema, mostly dominated by the exemplary work of Zhang Lu in films of his such as Grain in Ear (2005) and Dooman River (2009). Dooman River is the blue river referenced in the title of this film, a river that stands as the border between China and North Korea. Here, director Kang chooses to forgo the art film aesthetic of Zhangs work, although echoing some of Zhangs door-frame scenes, such as a lovely little hall of mirrors scene of multiple open doors we find Kim making stylistic use of here. Based on a work by Yanbian authors Liang Chun-sik and Kim Nam-hyun, Let the Blue River Run focuses mostly on the lives of those left behind when a family member migrates. The kids know what happens when their parents leave as undocumented workers, some take on fake marriages, some die, some are arrested, but they hold much of this information inside, except during one scene where the reality of their migrant parents is used as verbal fists in a schoolroom scuffle. The teachers of these children are kind mentors, taking the role of guardian very seriously for the kids where both parents, or the remaining parent, have migrated to South Korea. This provides the motivation for a minor subplot of searching for lost students in the film. If you stumbled upon this film unaware of Joseonjoks . the Korean word for Chinese of Korean descent, or of the existence of the Korean Autonomous Prefecture in China, the experience of the film can be a tad surreal. The Korean spoken is accented differently from a Seoul-produced work. The modern landscapes and infrastructure we expect in South Korean films is absent. You wouldnt see so many people traveling on bikes and pedicabs on busy thoroughfares in a major South Korean city as you do in this film. We see Hangul initially, but soon we will see a row of two streamers hanging across the road, one in Chinese script and one in Hangul, providing greater elaboration on where exactly we are in the world. This cinematic geocaching is a pleasant means to draw the viewer in, like the moment you slowly realize in Pen-ek Ratanaruangs Invisible Waves (2005) that Tadanobu Asanos character is not in Hong Kong but Macau. Coming in unaware also allows for a certain disorientation among viewers that can be taken into Cheol-yis mothers later scenes when she arrives in South Korea as a confused, scared, but determined, undocumented worker. Even though fluent in Korean, her accent still marks her as Other, so she keeps mostly silent while south until she cannot bare her plight any more. And it is this plight of the Other in South Korea that I am happy to see directorproducer Kim take on. Their challenge here to convey the plight of the Korean-Chinese migrant to the South Korean public may have failed to find an audience, but it is a challenge South Korea must take on this century in its art, its pop culture, and the more difficult task of its public policy. 160160160160160( Adam Hartzell ) Paju is a small city located to the northwest of Seoul, quite literally a stones throw from North Korea. These days it is being developed into a kind of artists community, with the city government trying to attract book publishers and the like. But the film Paju takes place somewhat earlier, between the years of 1995 and 2003. The city we see in the film is a kind of in-between place, no longer rural but not yet urban, with the fast-paced development attracting gangster types and causing disturbance among long-term residents. For one of the films main characters, it starts as a place of escape and eventually becomes his home. For another character, it is a childhood home, but the need for escape beckons. Paju is about the complicated relationship between a young girl and her brother-in-law -- and by relationship I dont mean to imply that this is a love story. These are two people whose lives have been upended by freak accidents. The man, Joong-shik (Lee Seon-gyun), is burdened with guilt over a tragic event that took place at the home of his lover in 1995. Later he moves to Paju and marries a woman named Eun-su (Shim I-young). But her younger sister Eun-mo (Seo Woo), who lives with them, has an instinctive distrust of her new brother-in-law. Soon another freak accident will take place, which will lead to additional bouts of trauma, guilt, confusion, and eventually, suspicion. It took seven years for director Park Chan-ok to complete this follow-up to her critically praised debut film Jealousy Is My Middle Name (2002), another slow-burning drama about people concealing inner emotional storms. Paju is recognizably the work of the same director, but it is broader in scale, more difficult, and, in my opinion, a greater accomplishment. It is without question one of the best Korean films of 2009. In part, it is the films willful obscurity that gives it its strength. The narrative is laid out in a patchwork of flashbacks and flash-forwards that replicate the jumbled manner in which the brain stores painful memories. Making sense of it all at first is a mental challenge, but the film gives back at least as much as you put into it. Personally I liked that the storys misunderstandings persist through to the end: this is not a film where all characters come around to accept the same interpretation of the events we have witnessed. Because each character carries a different understanding -- and no character possesses complete knowledge of what happened -- there is a layered complexity to the films emotions. Park is also quite skilled at structuring her story in a manner that suggests broader themes without pushing them into your face. The concept of home reappears throughout the film, notably in a plot thread about a group of displaced residents, led by Joong-shik, who fight against construction workers and hired thugs to prevent the demolition of an apartment complex. At the same time Eun-mo is fighting to keep her own home, not because she needs a place to stay but because it represents the memory of her deceased parents. For Joong-shik, the fight to save the apartment complex is grounded in his political beliefs, and the pitched battle that breaks out towards the films end, with rocks and Molotov cocktails being hurled at bulldozers, recall Koreas political battles of recent decades. But eventually he faces a situation where his social ideals come into conflict with his personal feelings and responsibilities towards Eun-mo. Paju s other key strength is the sheer cinematic pleasure of watching it. It is a beautiful film, not in a glossy colorful sense, but in the grainy quality of its foggy, unsaturated tones and shadows. Cinematographer Kim Woo-hyung, who has collaborated in the past with Im Sang-soo and Jang Sun-woo, deserves much of the credit for this. The acting is also top notch across the whole cast, with actress Seo Woo receiving particular notice for her performance. She is not a complete newcomer, having won a couple awards for her portrayal of the daughter in last years Crush and Blush . but this is clearly her breakout role. The character of Eun-mo fits her like a glove, and given that this film is at its core a coming-of-age story, she projects an emotional vulnerability and independent-minded determination that represents what is most memorable about Paju . Seo will probably go on to make many more great films, but I suspect shell always be best remembered for her performance in this one. 160160160160160( Darcy Paquet ) 160160160160 A Brand New Life As the credits were rolling after our screening of A Brand New Life at the 53rd San Francisco International Film Festival, my wife had this brief synopsis - That was my best Korean movie ever What my wife means is that was the best of all the Korean films she has seen. And being married to me, shes sat through quite a few. Whereas my subjective interests often lean me towards film favorites that are less likely to be well received by a wide audience, French director Ounie Lecomte s debut is a film that can reach far and wide, like the films origins itself and characters within. As were introduced to the subject of A Brand New Life . Jin-hee (played wonderfully by Kim Sae-ron), we see everything from her sightlines, from someone of her height, her age, her life. Her fathers face is never shown until he abandons her. (I wont reveal who the actor is here, because such would ruin a bit of the pleasure for the Korean film fan since its a major South Korean actor who plays this bit role. But I will reveal that revered actor Moon Sung-keon ( Black Republic . Green Fish also has a bit role as a doctor.) Her fathers importance in her life is obvious in the cameras positioning. We see Jin-hee looking up to him without our seeing him. We see Jin-hee embrace his back lovingly as he pedals her home. He is her world, making whats to come all the more devastating. The film takes place in the 1970s, well before South Korea recovered economically from the war. This means a lot of Koreans struggled to feed their families. As a result, along with kids whose parents had passed away, some kids were left at orphanages for complicated economic reasons. Concerning these economic orphans, sadly, there may be instances where it is in a childs best interest to be taken to an orphanage when the biological family cant provide for them. But in a childs eyes, regardless of the reason they are left at an orphanage, they are likely to feel abandoned. And in some cases, it is dishonest to argue that they arent being abandoned. Jin-hees own reasoning for why she ends up at the orphanage is in this latter heart-wrenching vein. Jin-hees adaptation to the orphanage is full of childish acting out and hopes of escape. Unlike the orphans who hope to be adopted, such as Jin-hees friend who lies about her age having heard that the younger children have a better chance at being selected, Jin-hee actually wants to stay, since she still holds hope that her father will return. Much of the film shows Jin-hee trying to enact control of a world where shes lost so much. At first, she refuses to change the clothes her father gave her for the orphanage hand-me-downs. As so many children do when faced with emotional frustration, she refrains from eating and engaging in other activities of the group she has been tossed into as a way to exert some agency as a child under the authority of adults and institutions. Shes a brat, but an understandable brat. When she finally develops an intimate relationship with a fellow orphan and that friend abandons her, Jin-hees subtle exertion of what little control she has is one of those cinematic sublime images that stays with you well after leaving the cocoon of the theatre. Lecomtes own personal life story is obviously relevant here. She herself was born in South Korea and lived with her grandparents until they put her in an orphanage. She found her way to France through adoption. This movement of guardianship resulted in movement of religions, from Buddhist grandparents to Catholic nuns to Protestant parents. Jin-hees first exposure to a Catholic mass is an interesting scene of a child soaking up all the strange rituals that must soon become her own, or at least become rituals she can fake well enough during her stay. Yet in spite of Lecomtes practical life experience applied to the script, Jean Noh in the January-February 2010 edition Korean Cinema Today clearly delineates that this story is fiction, not autobiographical. After completing the script, Lecomte was able to convince South Korean luminary Lee Chang-dong of the storys potential when he came to France for the release of Secret Sunshine . So just like with Korean-American director So Yong Kims Treeless Mountain . Lecomte was stewarded towards South Korean financial and aesthetic assistance through the Pusan Promotion Plan and the expert hands of Lee, who Im guessing was the node in the network that got the two major Korean actors involved in such small roles. Also like Kim So-yongs film, Lecomtes film works because the kids seem to flow through the film naturally, rather than coming off as forced into cuteness or obnoxiousness, something I found disrupting Korean kid-vehicles earlier in the 21st century, such as The Way Home and When I Turned Nine . Theres a scene in A Brand New Life where the orphans laugh in the face of a church-imposed public confession that is one of the more original moments of child agency Ive seen in a film for some time. The naturalism of acting through Lecomtes direction and editing choices with such a large ensemble of children speaks hopefully of Lecomtes future films. And the tremendously executed young acting found in both Treeless Mountain and A Brand New Life bodes well for future kid-vehicles in South Korean cinema. 160160160160160( Adam Hartzell ) 160160160160 Lost in the Mountains As part of an omnibus digital film project Visitors commissioned for the 2009 Jeonju International Film Festival, like many directors before him Hong Sangsoo decided to utilize the short film form to experiment a little bit. Although Hong had focused on women characters before, ( The Day a Pig Fell In the Well . The Power of Kangwon Province . Virgin Stripped Bare By Her Bachelors . Woman on the Beach ), theyve always played alongside equally focused male characters. Whenever a single character has been the primary focus, such as in Turning Gate and Night and Day . it has been a male character. In Hongs contribution to Visitors Lost in the Mountains (the other two contributors being Lav Diaz of the Philippines and Kawase Naomi of Japan), he finally lets a woman lead us into the awkward moments of Hong anti-storytelling. Our narrator Mi-sook (Jeong Yu-mi) begins by telling us she is heading out on an anxiety-ridden trip (due to its length) to Jeonju by car to visit her friend Jin-young. When her friend tells her she cant come in yet because shes having a fight with her mother, she bides her time by re-initiating a relationship with an old professor (Moon Sung-keon) who was also the professor of Jin-young and Mi-sooks ex-boyfriend Myung-woo (Lee Seon-gyun). This is where the relationship tensions begin, between Mi-sook and the professor, Mi-sook and Myung-woo, and Jin-young and the professor. Although Hongian repetition occurs within the film, (two female characters say they cant let Mi-sook in because they are having fights with their mothers), and there is the Hongian coincidental run-in of characters, Hong continues to use the short form to try on new forms of his atypically formed narratives. For example, to much great comic effect, three characters making calls to the same person unbeknownst to the other three during the drunken revelry. The obligatory Hongian group drinking scenes that occasionally lead to sexual sloshing are here as well. And the drinking games people play in Lost in the Mountains validate claims by French director Claire Denis in her contribution to the Korean Film Council Korean Director Series volume devoted to Hong Sangsoo. (This is a revised essay originally included as a supplement to the French DVD releases of Turning Gate and Woman Is the Future of Man .) Denis does not find alcohol used in Hongs films as she finds them to be used in American films, where such camouflages human weakness and serve as a tool to shake ones abstinence. Rather, In Hong Sang-soos film, everything is decided before drinking begins. Drinking is reaching an agreement after clearly thinking out the decisions they have made (p 34). As Jason Kawall, in his chapter Another Pitcher On Beer, Friendship, and Character for the book Beer Philosophy: The Unexamined Beer Isnt Worth Drinking . writes regarding what we say while drinking in social situations of our choosing, alcohol . may influence a person, but this person still chooses what to disclose, and prior to that she chooses whether she would even like to have a beer with the other person. A major influence on what she will disclose is the company she is with, and the antecedent trust or friendliness she feels towards those with whom she is sharing a beer (p 132). Or in this case, soju. Even though, as Mi-sook herself says, one might have sex and find a reason afterwards for having sex, its clear the reason was there beforehand in the final bar scene between Mi-sook, Myung-woo, and Jin-young. In fact, the reason is sitting their as two sucking faces in the face of Jin-young. Jungs performance is heightened by emotional outbursts over her cellphone, at one point humorously collapsing into a ball on the ground. This highlights something Huh Moonyung noted in the same book cited before. Huh finds that . there are so many elements that Hong Sang-soo derives from the actors which are not valued in other films (p 6). Particularly of relevance here is Hongs attention to the small bodily movements and manners of walking and materiality of voice of his actors. Myung-woo, when he calls the professor, has the most distinct way of punctuating his words with his body, adding to the humor of the film while adding to the development of his character. Its a delightful moment in this short film full of delightful moments. Like many of us, Claire Denis sees confinement in Hongs films. There is a frame in his films and characters are confined in that space (p 32). This set-up of scenes speaks metaphors for the social, everyday confinements of his characters. In the short form that is Lost in the Mountains, we have a refined bit of Hongs confined space, providing room to explore while still maintaining that which we expect to find in Hongs unique approach to cinema. 160160160160160( Adam Hartzell ) (Note that the other two segments of Visitors were not presented in the screening that Adam caught, so those films are not reviewed here) There are many facets to a star. There are the myriad faces we see in the roles they play throughout their career. There is the personality that shines through in the many scripted and unscripted moments when actors come into contact with their public: awards acceptance speeches, press interviews, and so on. And then there is the real personality behind it all, what the person may (or may not) be like behind closed doors. Surely the contrasts and overlaps between stars many faces add to their allure and mystery. This allure is what illuminates E J-yongs The Actresses . a stylish low-budget film featuring six well-known Korean actresses playing themselves. The setting is Christmas Eve 2008 at the Vogue photo studio in Seoul. Six film stars from across multiple generations have signed on to be photographed together for the magazines cover story. They include Kim Ok-vin, the 23 year old star of Park Chan-wooks Thirst actressmodel Kim Min-hee ( Hellcats ) Choi Ji-woo (TV drama Winter Sonata ), whose status as a Korean Wave star in Japan sets her apart from the other five Ko Hyun-jung ( Woman on the Beach ), enjoying a career revival after her high-profile divorce from a wealthy industrialist Lee Mi-sook, the sultry lead from An Affair and Untold Scandal . whose career stretches back to the 1980s and the sharp tongued veteran Youn Yuh-jung, whose filmography ranges from Kim Ki-young ( The Insect Woman . 1972) to Im Sang-soo ( A Good Lawyers Wife . 2003). As we watch the women arrive at the studio (each in starkly contrasting ways that highlight the differences between them), greet each other, enter makeup, try on dresses, etc. we feel like we have been given a privileged glimpse into their lives. Of course, this isnt true: the screenplay is entirely scripted, by the director and the actresses themselves. But you can guess that in the writing of this work, a lot of their real feelings, thoughts, prejudices and fears ended up in the dialogue. One of the pleasures of this film is guessing how much of what we see onscreen has been invented, and how much has a basis in real life. The main pleasure, however, is to simply revel in the star power and charisma on display. The film has almost no plot -- in fact the entire second half consists of the women sitting around (drinking) and waiting for a delayed shipment of jewels that are integral to the shoot. But it is brimming with energy. The dialogue is sharp and funny. A vibrant dynamic is created in the meeting of these six very different personalities and egos. The acting, with so much talent in one room feeding off each other, is on a level above most other films. We also feel for the other characters in the film -- photographers, Vogue editors, star managers and so forth (all playing themselves) -- who visibly struggle to make sure that all goes according to plan and nobody storms off the photo set. Finally, the film looks gorgeous, from the costumes to the women themselves to the production design (even if the cinematography by Hong Kyung-pyo may be a bit too shaky and hand-held for some viewers). Director E, who has worked with many of these stars before in An Affair (1998), Asako in Ruby Shoes (2000), Untold Scandal (2003), and Dasepo Naughty Girls (2006), says he has always been struck by the offscreen energy of his actors, and that he wanted to share it more directly with his audience. While this may not be possible in a literal sense, the energy that suffuses this film is worth experiencing. Besides, Korean cinema has never produced a film quite like this one. The Actresses is in some ways just a well executed character-centered comedy, but the difference here is that the characters are bigger than the film itself. 160160160160160( Darcy Paquet ) The action fantasy blockbuster Woochi opens 500 years ago in a mythical past, when evil goblins break free of their confinement and steal a powerful Pipe of the Prophecy. In desperation, the community turns to the two greatest Taoist ascetics of their time, a man referred to as the Master and the more ambitious Hwadam. They are successful in reclaiming the pipe, however an unexpected murder takes place, and the blame is placed on Woochi, an impish young wizard under the tutelage of the Master. Together with his faithful dog Chorangyi (who most often goes around in the form of a human being), he is magically sealed into a painted scroll and left there for centuries. Jump ahead to the year 2009, and the shining metropolis of modern-day Seoul is once again set upon by goblins. After witnessing the destructive power of the creatures, who are disguised as ordinary humans, three Taoist wizards reluctantly decide to visit the museum where the ancient scroll is kept and to release Woochi back into the world. If he can defeat the goblins, he will be allowed to remain free, they tell him. However Woochi is not the easiest ally to deal with he has both a love of alcohol and an innate sense of mischief which often throws him off course. Woochi is a strange and undeniably original sort of film: a mix of martial arts, silly humor, memorable characters and CG pyrotechnics. It features a strong, star-filled ensemble cast and a high effects budget, which together was enough to turn it into a holiday event. Despite opening in theaters only a week after the release of Avatar . the film hung on to sell 5.4 million tickets over the winter season. Popular star Gang Dong-won ( Secret Reunion ) plays the lead role of Woochi, a flamboyant part that shows off his good looks and must have been a lot of fun to shoot. Actress Lim Soo-jung ( A Tale of Two Sisters ) also takes a role with a very wide range that adds something new to her repertoire. However critics have focused much of their praise on the performance of Kim Yoon-suk ( The Chaser ) who effortlessly embodies the imposing villain Hwadam, and Yoo Hae-jin as Woochis dog. Yoo, who over the years has taken important supporting roles in hits like Tazza and King and the Clown . has a rare gift for humor which is given full rein in this part. He may also have contributed to the films commercial success in another way: coincidentally or not, shortly before the films release it was leaked that he is dating well-known actress Kim Hye-soo, and he found himself at the center of a media storm. Director Choi Dong-hoon proves once again with this film that he has a keen sense of the Korean audiences tastes. After three straight box office hits, he ranks as one of the most consistently successful directors working in Korea today. Nonetheless, despite Woochi s strengths, it lacks the punch and linguistic inventiveness of his previous film Tazza (2006). It is certainly simpler in a narrative sense, without the twists and turns of his previous work. The director argues that it was his intention all along to make something light and fun this time around. But there are other things missing from this film as well. I think Ross Chen at Lovehkfilm hit the nail on the head when he said that the film lacks heart -- as entertaining as it is, you never really develop any emotional attachment to the characters. This doesnt seem to have hurt it any at the box office, but one cant escape the feeling that it could have been much more than it ultimately is. 160160160160160( Darcy Paquet ) Koreanfilm. org. last updated December 20, 2013.Predictive Analytics with Microsoft Excel: Working with Seasonal Time Series In This Chapter Simple Seasonal Averages Moving Averages and Centered Moving Averages Linear Regression with Coded Vectors Simple Seasonal Exponential Smoothing Holt-Winters Models Matters get incrementally more complicated when you have a time series that8217s characterized in part by seasonality: the tendency of its level to rise and fall in accordance with the passing of the seasons. Wir verwenden den Begriff Saison in einem allgemeineren Sinn als seine alltägliche Bedeutung des Jahres8217s vier Jahreszeiten. Im Kontext der prädiktiven Analytik kann eine Jahreszeit ein Tag sein, wenn Muster wöchentlich wiederholen oder ein Jahr in Bezug auf Präsidentschaftswahlzyklen oder fast alles dazwischen. Eine achtstündige Schicht im Krankenhaus kann eine Saison darstellen. In diesem Kapitel wird ein Blick darauf gelegt, wie man eine Zeitreihe zerlegt, so dass man sehen kann, wie sich die Saisonalität von ihrem Trend abhebt (falls vorhanden). Wie Sie aus dem Material in den Kapiteln 3 und 4 erwarten können, stehen Ihnen mehrere Ansätze zur Verfügung. Einfache saisonale Mittelwerte Die Verwendung von einfachen saisonalen Mitteln, um eine Zeitreihe zu modellieren, kann Ihnen manchmal ein ziemlich grobes Modell für die Daten geben. Aber der Ansatz achtet auf die Jahreszeiten im Datensatz, und es kann leicht viel genauer als eine Prognose-Technik als einfache exponentielle Glättung, wenn die Saisonalität ausgesprochen wird. Sicherlich dient es als nützliche Einführung in einige der Verfahren, die mit Zeitreihen verwendet werden, die sowohl saisonal als auch trended sind, also schauen Sie sich das Beispiel in Abbildung 5.1 an. Abbildung 5.1 Mit einem horizontalen Modell ergeben einfache Mittelwerte Prognosen, die nicht mehr als saisonale Mittel sind. Die in Abbildung 5.1 dargestellten Daten und Grafiken repräsentieren die durchschnittliche Anzahl der täglichen Treffer zu einer Website, die den Fans der National Football League gerecht wird. Jede Beobachtung in Spalte D repräsentiert die durchschnittliche Anzahl der Treffer pro Tag in jedem von vier Quartalen über einen Zeitraum von fünf Jahren. Identifizieren eines Saisonmusters Sie können aus den Mittelwerten im Bereich G2: G5 erkennen, dass ein deutlicher vierteljährlicher Effekt stattfindet. Die größte durchschnittliche Anzahl der Treffer tritt im Herbst und Winter, wenn die wichtigsten 16 Spiele und die Playoffs geplant sind. Das Interesse, gemessen an durchschnittlichen täglichen Hits, sinkt im Frühjahr und Sommermonat. Die Mittelwerte sind einfach zu berechnen, ob Sie sich mit Array-Formeln wohl fühlen. Um den Mittelwert aller fünf Instanzen von Quartal 1 zu erhalten, können Sie diese Array-Formel in Zelle G2 von Abbildung 5.1: Array-geben Sie sie mit CtrlShiftEnter ein. Oder Sie können die Funktion AVERAGEIF () verwenden, die Sie auf normale Weise eingeben können, indem Sie die Enter-Taste drücken. Im Allgemeinen bevorzuge ich den Array-Formel-Ansatz, weil es mir Raum für eine bessere Kontrolle über die Funktionen und Kriterien gibt. Die Charted-Datenreihe enthält Daten-Labels, die zeigen, welchem ​​Quartal jeder Datenpunkt gehört. Das Diagramm spiegelt die Meldung der Mittelwerte in G2: G5: Quarters 1 und 4 wiederholt die meisten Hits. It8217s klare Saisonalität in diesem Datensatz. Berechnen von saisonalen Indizes Nachdem you8217ve entschieden hat, dass eine Zeitreihe eine saisonale Komponente hat, magst du die Größe des Effekts quantifizieren. Die in Abbildung 5.2 dargestellten Mittelwerte stellen dar, wie die Methode der einfachen Mittelwerte über diese Aufgabe geht. Abbildung 5.2 Kombinieren Sie den großen Mittelwert mit den saisonalen Mittelwerten, um die saisonalen Indizes zu erhalten. In Abbildung 5.2. Sie erhalten additive saisonale Indizes im Bereich G10: G13 durch Subtraktion des großen Mittels in Zelle G7 von jedem saisonalen Durchschnitt in G2: G5. Das Ergebnis ist das 8220effect8221 des Seins im Viertel 1, das im Quartal 2 und so weiter. Wenn ein bestimmter Monat im Quartal 1 ist, erwartet man, dass es 99,65 durchschnittlichere Tageshits hat als der große Mittelwert von 140,35 Hits pro Tag. Diese Information gibt Ihnen ein Gefühl, wie wichtig es ist, in einer bestimmten Saison zu sein. Angenommen, Sie besitzen die Website in Frage und Sie wollen Werbefläche auf sie verkaufen. Sie können sicherlich einen höheren Preis von Werbetreibenden während des ersten und vierten Quartals als während der zweiten und dritten fragen. Mehr auf den Punkt, können Sie wahrscheinlich berechnen doppelt so viel im ersten Quartal als während der zweiten oder dritten. Mit den saisonalen Indizes in der Hand, you8217re auch in der Lage, saisonale Anpassungen zu berechnen. Zum Beispiel noch in Abbildung 5.2. Die saisonbereinigten Werte für jedes Quartal 2005 erscheinen in G16: G19. Sie werden durch Subtrahieren des Index von der zugehörigen vierteljährlichen Messung berechnet. Traditionsgemäß bezieht sich der Begriff saisonaler Index auf die Zunahme oder Abnahme des Niveaus einer Serie, die mit jeder Jahreszeit verbunden ist. Der Begriff saisonale Wirkung ist in der Literatur in den letzten Jahren erschienen. Weil du beide Begriffe sehe, verwendete ich sie beide in diesem Buch. Es ist eine kleine Sache, die nur bedenkt, dass die beiden Begriffe die gleiche Bedeutung haben. Beachten Sie, dass im normalen Verlauf der Veranstaltungen von 2001 bis 2005 erwartet wird, dass die Ergebnisse des zweiten Quartals8217s das Ergebnis des ersten Quartals8217s um 133,6 (das heißt 99,65 minus 821133,95) liegen. Aber in den Jahren 2004 und 2005 übersteigen die saisonbereinigten Ergebnisse für das zweite Quartal die für das erste Quartal. Dieses Ergebnis könnte Sie bitten, zu fragen, was sich in den letzten zwei Jahren geändert hat, die die Beziehung zwischen den saisonbereinigten Ergebnissen für die ersten beiden Quartale umkehrt. (Ich finde das Problem hierher, ich gebe es vor, dass du oft die beobachteten und saisonbereinigten Zahlen ansehen möchtest.) Prognose von einfachen saisonalen Mitteln: Kein Trend Obwohl die Methode der einfachen Mittelwerte, wie ich schon sagte, Englisch: www. tab. fzk. de/en/projekt/zusammenf...ng/ab117.htm Es kann viel genauer sein als die anspruchsvollere Alternative der exponentiellen Glättung, besonders wenn die saisonalen Effekte ausgeprägt und zuverlässig sind. Wenn die Zeitreihe untrended ist, wie es der Fall mit dem Beispiel dieses Abschnittes betrifft, sind die einfachen saisonalen Prognosen nichts weiter als die saisonalen Mittelwerte. Wenn die Serie nicht nach oben oder unten tendiert, ist Ihre beste Schätzung des Wertes für die nächste Saison die Saison8217s historischen Durchschnitt. Siehe Abbildung 5.3. Abbildung 5.3 Kombinieren Sie den großen Mittelwert mit den saisonalen Mittelwerten, um die saisonalen Indizes zu erhalten. In der Grafik in Abbildung 5.3. Die gestrichelte Linie stellt die Prognosen von einfacher Glättung dar. Die beiden durchgezogenen Linien stellen die tatsächlichen saisonalen Beobachtungen und die saisonalen Mittelwerte dar. Beachten Sie, dass die saisonalen Mittelwerte die tatsächlichen saisonalen Beobachtungen ganz genau genau verfolgen, als die geglätteten Prognosen. Sie können sehen, wie viel näher von den beiden RMSEs in den Zellen F23 und H23. Die RMSE für die saisonalen Mittelwerte ist nur ein bisschen mehr als ein Drittel der RMSE für die geglätteten Prognosen. Sie können das bis zur Größe der saisonalen Effekte sowie deren Konsistenz kreiden: Angenommen, der Unterschied zwischen dem durchschnittlichen ersten und zweiten Quartal betrug 35,0 statt 133,6 (was der Unterschied zwischen den Zellen G2 und G3 in Abbildung ist 5.2). Dann wäre in einem glättenden Kontext der tatsächliche Wert für Quartal 1 ein viel besserer Prädiktor für den Wert für Quartal 2, als dies bei dieser Zeitreihe der Fall ist. Und die exponentielle Glättung kann sich stark auf den Wert der aktuellen Beobachtung für ihre Prognose der nächsten Periode verlassen. Wenn die Glättungskonstante auf 1,0 gesetzt ist, wird die exponentielle Glättung auf na239ve-Prognose aufgelöst und die Prognose entspricht immer der vorherigen tatsächlichen. Die Tatsache, dass die Größe jeder Saison-Swing ist so konsistent von Quartal zu Quartal bedeutet, dass die einfache saisonale Durchschnittswerte sind zuverlässige Prognosen: Keine tatsächliche vierteljährliche Beobachtung fährt sehr weit von der gesamten saisonalen Durchschnitt. Einfache saisonale Mittelwerte mit Trend Die Verwendung von einfachen saisonalen Mitteln mit einer trendigen Serie hat einige echte Nachteile, und I8217m versucht zu vermuten, dass wir es ignorieren und auf fleißige Themen zu bewegen. Aber es ist möglich, dass du in Situationen gehst, in denen jemand diese Methode benutzt hat und dann es gewollt hat, zu wissen, wie es funktioniert und warum es bessere Entscheidungen gibt. Jede Methode des Umgangs mit Saisonalität in einer Trendreihe muss sich mit dem grundlegenden Problem der Entwirrung der Wirkung des Trends von der der Saisonalität beschäftigen. Die Saisonalität neigt dazu, den Trend zu verdecken und umgekehrt. Siehe Abbildung 5.4. Abbildung 5.4 Die Anwesenheit von Trend kompliziert die Berechnung der saisonalen Effekte. Die Tatsache, dass der Trend in der Serie im Laufe der Zeit aufwärts ist, bedeutet, dass die durchschnittliche Vergrößerung jeder Jahreszeit8217s Beobachtungen, wie es im No-Trend-Fall der Fall war, den allgemeinen Trend mit der saisonalen Variation verwechselt. Die übliche Idee ist, den Trend getrennt von den saisonalen Effekten zu berücksichtigen. Sie könnten den Trend quantifizieren und den Effekt von den beobachteten Daten subtrahieren. Das Ergebnis ist eine ungezügelte Serie, die die saisonale Variation behält. Es könnte in der gleichen Weise behandelt werden, wie ich früher in diesem Kapitel illustriert habe. Berechnen der Mittel für jedes Jahr Ein Weg, um die Daten zu veranlassen (und andere Wege wird zweifellos zu Ihnen auftreten) ist es, den Trend auf der Grundlage der jährlichen Mittelwerte anstatt vierteljährlichen Daten zu berechnen. Die Idee ist, dass der Jahresdurchschnitt unempfindlich gegenüber den saisonalen Effekten ist. Das heißt, wenn man ein Jahr8217s von dem Wert für jedes seiner Quartiere subtrahiert, ist die Summe (und damit der Durchschnitt) der vier vierteljährlichen Effekte genau Null. So wird ein Trend, der mit den Jahresdurchschnitten berechnet wird, von den saisonalen Variationen nicht betroffen. Diese Berechnung erscheint in Abbildung 5.5. Abbildung 5.5 Diese Methode setzt nun eine lineare Regression auf die einfachen Mittelwerte ein. Der erste Schritt in der Detrending der Daten ist es, die durchschnittlichen täglichen Hits für jedes Jahr zu bekommen. Das ist im Bereich H3: H7 in Abbildung 5.5. Die Formel in Zelle H3 ist beispielsweise AVERAGE (D3: D6). Berechnen des Targets auf der Grundlage der jährlichen Mittel Mit den jährlichen Durchschnittswerten in der Hand, sind Sie in der Lage, ihren Trend zu berechnen. That8217s verwaltet mit LINEST () im Bereich I3: J7, mit dieser Array-Formel: Wenn Sie don-x2xt liefern x-Werte als das zweite Argument zu LINEST (). Excel liefert Standard-x-Werte für Sie. Die Vorgaben sind einfach die aufeinanderfolgenden Ganzzahlen, die mit 1 beginnen und mit der Anzahl der y-Werte enden, die Sie im ersten Argument aufrufen. In diesem Beispiel sind die voreingestellten x-Werte identisch mit denen, die auf dem Arbeitsblatt in G3: G7 angegeben sind, so dass Sie LINEST (H3: H7. TRUE) verwenden können. Diese Formel verwendet zwei Vorgaben für die x-Werte und die Konstante, die durch die drei aufeinanderfolgenden Kommas dargestellt werden. Der Punkt dieser Übung ist, den Jahres-zu-Jahr-Trend zu quantifizieren, und LINEST () tut das für Sie in Zelle I3. Diese Zelle enthält den Regressionskoeffizienten für die x-Werte. Multiply 106.08 um 1 dann um 2 dann um 3, 4 und 5 und addiere jedem Ergebnis den Intercept von 84.63. Obwohl dies jährliche Prognosen bekommt, ist der wichtigste Punkt für dieses Verfahren der Wert des Koeffizienten 106.08, der den Jahresverlauf quantifiziert. Der Schritt, den ich gerade besprochen habe, ist die Quelle meiner Bedenken über den gesamten Ansatz, den dieser Abschnitt beschreibt. Sie haben in der Regel eine kleine Anzahl von umfassenden Perioden8212 in diesem Beispiel, dass8217s years8212die durchlaufen die Regression. Regression8217s Ergebnisse sind in der Regel schrecklich instabil, wenn, wie hier, sie auf einer kleinen Anzahl von Beobachtungen basieren. Und doch stützt sich dieses Verfahren auf diese Ergebnisse stark, um die Zeitreihen zu vernachlässigen. Anregung des Trendes über die Jahreszeiten Die einfach-durchschnittliche Methode des Umgangs mit einer trendigen, saisonalen Serie wie diese setzt sich fort, indem sie den Trend durch die Anzahl der Perioden in der umgreifenden Periode teilt, um einen Per-Periode-Trend zu erhalten. Hier ist die Anzahl der Perioden pro Jahr vier8212we8217re arbeiten mit vierteljährlichen Daten8212so teilen wir 106,08 mal 4, um den Trend pro Quartal auf 26,5 zu schätzen. Das Verfahren verwendet diesen periodischen Trend, indem er ihn vom durchschnittlichen periodischen Ergebnis subtrahiert. Ziel ist es, die Wirkung des Jahresverlaufs von den saisonalen Effekten zu beseitigen. Zuerst müssen wir jedoch das durchschnittliche Ergebnis über alle fünf Jahre für Zeitraum 1, für Periode 2 und so weiter berechnen. Um dies zu tun, hilft es, die Liste der tatsächlichen vierteljährlichen Treffer, die im Bereich D3: D22 von Abbildung 5.5 gezeigt ist, neu anzuordnen. In eine Matrix von fünf Jahren um vier Viertel, gezeigt im Bereich G11: J15. Beachten Sie, dass die Werte in dieser Matrix der Liste in Spalte D entsprechen. Mit den auf diese Weise angeordneten Daten ist es einfach, den durchschnittlichen vierteljährlichen Wert über die fünf Jahre im Datensatz zu berechnen. Das ist im Bereich G18: J18. Die Wirkung des von LINEST () zurückgegebenen Trends erscheint im Bereich G19: J19. Der Startwert für jedes Jahr ist die beobachtete mittlere Täuschung für das erste Quartal, so dass wir für das erste Quartal keine Anpassung vornehmen. Ein Viertel8217s Tendenz oder 26,5 wird von dem zweiten Quartal8217s mittlere Treffer abgezogen, was zu einem angepassten zweiten Quartalwert von 329,9 führt (siehe Zelle H21, Abbildung 5.5). Zwei Quartale8217 Target, 2 215 26,5 oder 53 in Zelle I19, wird von der dritten Quartal8217s subtrahiert, um einen angepassten dritten Quartal Wert von 282,6 in Zelle I21 zu erhalten. Und ähnlich für das vierte Quartal, subtrahieren drei Viertel der Trend von 454,4 zu bekommen 374,8 in Zelle J21. Denken Sie daran, dass, wenn der Trend war eher als oben, wie in diesem Beispiel, würden Sie den periodischen Trend Wert auf die beobachteten periodischen Mittel, anstatt zu subtrahieren. Umwandlung der angepassten saisonalen Mittel in saisonale Effekte Nach der Logik dieser Methode sind die in den Zeilen 20821121 von Abbildung 5.5 gezeigten Werte die durchschnittlichen vierteljährlichen Ergebnisse für jedes von vier Quartalen, wobei der Effekt des allgemeinen Aufwärtstrends im Datensatz entfernt wurde. (Die Reihen 20 und 21 werden in den Spalten G bis J. zusammengeführt.) Mit ihrem Trend aus dem Weg können wir diese Zahlen in Schätzungen saisonaler Effekte umwandeln. Das Ergebnis des Seins im ersten Quartal, im zweiten Quartal und so weiter. Um diese Effekte zu bekommen, beginnen Sie mit der Berechnung des großen Mittels der angepassten vierteljährlichen Mittel. Dieser bereinigte Mittelwert erscheint in Zelle I23. Die Analyse setzt sich in Abbildung 5.6 fort. Abbildung 5.6 Die vierteljährlichen Effekte oder Indizes werden verwendet, um die beobachteten Quartalsgeschäfte zu ent - scheiden. Abbildung 5.6 wiederholt die vierteljährlichen Anpassungen und den angepassten Mittelwert aus der Unterseite von Abbildung 5.5. Sie werden kombiniert, um die vierteljährlichen Indizes zu bestimmen (die Sie auch als saisonale Effekte beachten können). Zum Beispiel ist die Formel in Zelle D8 wie folgt: Es gibt 821133.2 zurück. Dass der Effekt des Seins im zweiten Quartal um 224 gegenüber dem Großartigen liegt: In Bezug auf den großen Mittelwert kann man erwarten, dass ein Ergebnis, das zum zweiten Quartal gehört, unter dem Großartigen um 33,2 Einheiten liegt. Anwendung der saisonalen Effekte auf die beobachteten Quarterlies Um zu rekapitulieren: Bisher haben wir den jährlichen Trend in den Daten durch Regression quantifiziert und diesen Trend um 4 geteilt, um ihn auf einen vierteljährlichen Wert zu beschränken. Abholung in Abbildung 5.6. Wir haben den Mittelwert für jedes Quartal (in C3: F3) durch Subtraktion der angestrebten Trends in C4: F4 angepasst. Das Ergebnis ist eine abgesetzte Schätzung des Mittelwertes für jedes Quartal, unabhängig von dem Jahr, in dem das Quartal stattfindet, in C5: F5. Wir haben den eingestellten Mittelwert in der Zelle G5 von den angepassten vierteljährlichen Mitteln in C5: F5 subtrahiert. Das konvertiert jedes Quartal8217s bedeuten zu einem Maß für die Wirkung jedes Quartals relativ zu dem angepassten Großartigen. Das sind die saisonalen Indizes oder Effekte in C8: F8. Als nächstes entfernen wir die saisonalen Effekte aus den beobachteten Quartalen. Wie in Abbildung 5.6 gezeigt. Sie tun dies, indem Sie die vierteljährlichen Indizes in C8: F8 von den entsprechenden Werten in C12: F16 subtrahieren. Und der einfachste Weg, dies zu tun ist, diese Formel in Zelle C20 eingeben: Beachten Sie die einzelnen Dollar-Zeichen vor dem 8 in der Referenz auf C8. Das ist eine gemischte Referenz: teils relativ und teilweise absolut. Das Dollarzeichen verankert den Verweis auf die achte Reihe, aber der Spaltenteil der Referenz ist frei, um zu variieren. Wenn also die letztere Formel in die Zelle C20 eingegeben wird, kannst du auf den Ziffernblock cell2217 (das kleine Quadrat in der unteren rechten Ecke einer ausgewählten Zelle) klicken und nach rechts in die Zelle F20 ziehen. Die Adressen passen sich an, während du nach rechts ziehst und du wehst mit den Werten, mit den saisonalen Effekten entfernt, für das Jahr 2001 in C20: F20. Wählen Sie diesen Bereich von vier Zellen und verwenden Sie die mehrfachen selection8217s Handle, jetzt in F20, um in Zeile 24 zu ziehen. So füllt der Rest der Matrix. Es ist wichtig, hier zu bedenken, dass wir die ursprünglichen vierteljährlichen Werte für die saisonalen Effekte anpassen. Was auch immer der Trend in den ursprünglichen Werten bestand, ist immer noch da, und in der Theorie ist es wenigstens, wenn wir die Anpassungen für saisonale Effekte vorgenommen haben. Wir haben einen Trend entfernt, ja, aber nur aus den saisonalen Effekten. Wenn wir also die (detrended) saisonalen Effekte von den ursprünglichen vierteljährlichen Beobachtungen subtrahieren, sind die ursprünglichen Beobachtungen mit dem Trend aber ohne saisonale Effekte. Ich habe diese saisonbereinigten Werte in Abbildung 5.6 dargestellt. Vergleichen Sie dieses Diagramm mit dem Diagramm in Abbildung 5.4. Beachten Sie in Abbildung 5.6, dass, obwohl die entsorgten Werte nicht genau auf einer Geraden liegen, ein Großteil der saisonalen Wirkung entfernt wurde. Regression der Deseasonalized Quarterlies auf die Zeitperioden Der nächste Schritt ist die Erstellung von Prognosen aus den saisonbereinigten, trendigen Daten in Abbildung 5.6. Zellen C20: F24, und an diesem Punkt haben Sie mehrere Alternativen zur Verfügung. Sie könnten den differenzierten Ansatz in Verbindung mit einer einfachen, exponentiellen Glättung verwenden, die in Kapitel 3, 8220Arbeiten mit Trended Time Series diskutiert wurde.8221 Sie könnten auch Holt8217s Ansatz verwenden, um Trendreihen zu glätten, die in Kapitel 3 und Kapitel 4, 8220Initialisieren von Prognosen diskutiert wurden.8221 Beide Methoden, die Sie in die Lage versetzen, eine einstufige Prognose zu erstellen, zu der Sie den entsprechenden Saisonindex hinzufügen würden. Ein anderer Ansatz, den ich hier verwenden will, stellt zunächst die trendigen Daten durch eine andere Instanz der linearen Regression und fügt dann den saisonalen Index hinzu. Siehe Abbildung 5.7. Abbildung 5.7 Die erste wahre Prognose ist in Zeile 25. Abbildung 5.7 gibt die entsorgten vierteljährlichen Mittel aus der tabellarischen Anordnung in C20: F24 von Abbildung 5.6 auf die Listenanordnung im Bereich C5: C24 von Abbildung 5.7 zurück. Wir könnten LINEST () in Verbindung mit den Daten in B5: C24 in Abbildung 5.7 verwenden, um die Regressionsgleichung8217s Abgrenzung und Koeffizient zu berechnen, dann könnten wir den Koeffizienten durch jeden Wert in Spalte B multiplizieren und den Intercept zu jedem Produkt hinzufügen, um zu erstellen Die Prognosen in Spalte D. Aber obwohl LINEST () nützliche Informationen außer dem Koeffizienten und Abfangen zurückgibt, ist TREND () ein schnellerer Weg, um die Prognosen zu erhalten, und ich benutze es in Abbildung 5.7. Der Bereich D5: D24 enthält die Prognosen, die sich aus der Rückstellung der entsetzten Quartalszahlen in C5: C24 auf die Periodennummern in B5: B24 ergeben. Die in D5: D24 verwendete Arrayformel ist das: Dieser Satz von Ergebnissen spiegelt die Wirkung des allgemeinen Aufwärtstrends in der Zeitreihe wider. Weil die Werte, die TREND () prognostiziert haben, entschätzt worden sind, bleibt es, die saisonalen Effekte, die auch als saisonale Indizes bekannt sind, wieder in die Trendprognose einzubinden. Hinzufügen der Saisonindizes Zurück In den saisonalen Indizes, berechnet in Abbildung 5.6. Sind in Abbildung 5.7 dargestellt. Zuerst im Bereich C2: F2 und dann wiederholt im Bereich E5: E8, E9: E12 und so weiter. Die reseasonalisierten Prognosen werden in F5: F24 gesetzt, indem die saisonalen Effekte in Spalte E auf die Trendprognosen in Spalte D addiert werden. Um die Ein-Schritt-Prognose in Zelle F25 von Abbildung 5.7 zu erhalten. Der Wert von t für den nächsten Zeitraum geht in die Zelle B25. Die folgende Formel wird in Zelle D25 eingegeben: Sie beauftragt Excel, die Regressionsgleichung zu berechnen, die Werte im Bereich C5: C24 von denen in B5: B24 prognostiziert und diese Gleichung auf den neuen x-Wert in Zelle B25 anwenden. Der entsprechende saisonale Index wird in Zelle E25 platziert, und die Summe von D25 und E25 wird in F25 als die erste wahre Prognose der trendigen und saisonalen Zeitreihen platziert. Sie finden den ganzen Satz von entsetzten Quartalen und die in Abbildung 5.8 dargestellten Prognosen. Abbildung 5.8 Die saisonalen Effekte werden an die Prognosen zurückgegeben. Auswertung einfacher Mittelwerte Der Ansatz für den Umgang mit einer saisonalen Zeitreihe, die in mehreren früheren Abschnitten diskutiert wurde, hat eine intuitive Anziehungskraft. Die Grundidee scheint einfach: Berechnen Sie einen jährlichen Trend, indem Sie jährliche Mittel gegen ein Maß von Zeiträumen zurückgeben. Teilen Sie den jährlichen Trend unter den Perioden innerhalb des Jahres. Subtrahiere den aufgeteilten Trend von den periodischen Effekten, um bereinigte Effekte zu erhalten. Subtrahieren Sie die angepassten Effekte von den tatsächlichen Maßnahmen, um die Zeitreihen zu entsorgen. Erstellen Sie Prognosen aus der entschätzten Serie, und fügen Sie die angepassten saisonalen Effekte zurück in. Meine eigene Ansicht ist, dass mehrere Probleme den Ansatz schwächen, und ich hätte es nicht in dieses Buch aufgenommen, außer dass Sie wahrscheinlich sind, es zu begegnen und deshalb vertraut sein sollte damit. Und es bietet eine nützliche Sprungbrett zu diskutieren, einige Konzept und Verfahren in anderen, stärkeren Ansätze gefunden. Zuerst gibt es die Frage (über die ich mich in diesem Kapitel bereits beklagte) über die sehr kleine Stichprobengröße für die Regression der jährlichen Mittel auf aufeinanderfolgende Ganzzahlen, die jedes Jahr identifizieren. Sogar mit nur einem Prädiktor, so wenig wie 10 Beobachtungen ist wirklich kratzen die Unterseite des Fasses. Zumindest sollten Sie sich das daraus resultierende R 2 anpassen, das für die Schrumpfung angepasst ist und wahrscheinlich den Standardfehler der Schätzung entsprechend neu berechnen. Es ist wahr, je stärker die Korrelation in der Bevölkerung ist, desto kleiner ist die Probe, mit der du wegkommst. Aber die Arbeit mit Quartalen innerhalb von Jahren, Sie glücklich zu finden, so viele wie 10 Jahre8217 im Wert von aufeinander folgenden vierteljährlichen Beobachtungen, die jeweils in der gleichen Weise über diese Zeitspanne gemessen. I8217m nicht überzeugt, dass die Antwort auf das problematische Auf - und Ab-Muster, das Sie innerhalb eines Jahres finden (siehe Diagramm in Abbildung 5.4), die Gipfel und Täler ausmachen und eine Trendschätzung aus den jährlichen Mitteln erhalten soll. Sicherlich ist es eine Antwort auf dieses Problem, aber wie Sie es sehen können, gibt es eine viel stärkere Methode, die saisonalen Effekte von einer zugrunde liegenden Tendenz zu trennen, sie zu berücksichtigen und entsprechend zu prognostizieren. I8217ll decken diese Methode später in diesem Kapitel, in der 8220Linear Regression mit Coded Vectors8221 Abschnitt. Darüber hinaus gibt es in der Theorie keine Grundlage für die Verteilung der jährlichen Tendenz gleichmäßig unter den Perioden, die das Jahr bilden. Es ist wahr, dass die lineare Regression etwas Ähnliches macht, wenn es seine Prognosen auf eine gerade Linie stellt. Aber da ist eine riesige Kluft zwischen einer fundamentalen Annahme, weil das analytische Modell sonst die Daten behandeln und ein fehlerhaftes Ergebnis akzeptieren kann, dessen Fehler in den Prognosen8212 gemessen und ausgewertet werden können. Das heißt, let8217s bewegen sich auf die Verwendung von gleitenden Durchschnitten anstelle von einfachen Mittelwerten als eine Möglichkeit, mit Saisonalität umzugehen.